Comment vous est venue l’idée de l’album La Faute ?
Michaël Sztanke. La première chose qui frappe l’oeil en posant le pied en Corée du Nord c’est l’omniprésence des portraits des leaders Kim Il-sung et Kim Jong-il. Les Nord-Coréens portent sous forme de badge les visages souriants de leur leader sur leur veston à l’endroit de leur cœur. J’ai posé la question à mon guide : « Comment faites-vous et que se passe-t-il si vous égarez votre badge ? » La réponse fut « On n’égare pas notre badge ». A partir de cette anecdote j’ai construit un scénario imaginant la perte d’un badge et tous les évènement qui pouvaient en découler. L’idée m’est venue dans l’avion du retour lors de mon premier voyage.
La BD est le médium le plus adéquat pour raconter justement ce qu’on ne peut pas filmer.
Selon vous, en quoi l’album peut-il être complémentaire de votre documentaire?
M.S. Tourner un documentaire en Corée du Nord est extrêmement complexe. Que montrer et comment le montrer étant donné le contrôle très serré sur place et l’impossibilité d’interroger qui vous souhaitez ou de se déplacer librement… Pour le documentaire j’ai pu me rendre deux fois à Pyongyang en septembre 2012 et février 2014. J’ai filmé beaucoup de sites officiels ou touristiques et beaucoup de nouvelles infrastructures récemment construites sous Kim Jong-un, le leader arrivé au pouvoir à la mort de son père. Un festival de cinéma, un parc d’attractions, une patinoire, une station de ski à 200 km de Pyongyang, une nouvelle bibliothèque universitaire, un nouvel hôpital etc… uniquement des lieux neufs. Comment comprendre ce qu’il se joue derrière cette sorte de village Potemkine ? La BD est le médium le plus adéquat pour raconter justement ce qu’on ne peut pas filmer. Il permet une vraie liberté de ton et donc de plonger le lecteur dans l’atmosphère de ce pays.
Comment percevez-vous la BD et plus précisément la BD reportage ?
M.S. Je conçois le BD reportage comme un médium plus libre et moins formaté pour aborder une question que la télévision. Les cases reportages ou documentaires de la télévision laissent peu de place à la liberté créative. Avec le dessin et le récit tout est permis en terme de forme, tout en gardant le fond, l’essentiel, c’est à dire l’information. Il est vrai que la BD reportage est devenue un peu à la mode chez les journalistes qui y voient une possibilité de s’échapper des formes auxquelles ils sont habitués. Il y a également un public très réceptif à la BD reportage ou documentaire qui aime à la fois la BD et l’information…
Quel est le souvenir le plus fort que vous gardez de vos séjours en Corée du nord?
M.S. Je crois que l’arrivée en voiture dans la nouvelle station de ski flambant neuve et vide qui a coûté au régime 300 millions de dollars est impressionnante quand on sait qu’un tiers de la population a du mal à se nourrir… La visite d’une famille modèle où une petite fille de 2 ans chante la gloire au leader Kim Jong-un est aussi glacial que l’hiver nord coréen.
Pensez-vous renouveler l’expérience avec d’autres pays ?
M.S. Pourquoi pas sur un autre pays. Mais pour le moment j’ai en tête une BD sur la Corée du Nord mais d’un autre point de vue…
propos recueillis le 20 mai 2014 par Eric Guillaud
C’est un récit passionnant et un témoignage remarquable que nous propose l’Espagnol Paco Roca avec La Nueve, son nouvel album paru aux éditions Delcourt. L’auteur du très remarqué et très primé Rides paru en 2007, réédité et adapté au cinéma sous le titre La Tête en l’air, nous embarque ici dans les pas des républicains espagnols rassemblés au sein de la 9e compagnie et qui furent parmi les premiers à libérer Paris en aout 1944.
Le récit de Paco Roca commence là ou s’arrête la guerre d’Espagne, par la défaite et l’exode des derniers républicains. Par la terre ou par la mer, beaucoup de ceux qui réussirent à quitter le pays se retrouvèrent dans les camps d’internement français. Pour quelques-uns, le combat reprit quelques années plus tard dans le cadre de la Nueve, cette fameuse 9e compagnie du régiment de marche du Tchad, intégrée à la 2e division blindée, autrement appelée Division Leclerc. Sur les 160 hommes qui la composaient, 146 étaient des républicains espagnols. Leur combat pour la liberté commença sur le sol africain avant de se poursuivre en France et donc aboutir à Paris. Bien sûr, tous étaient convaincus que la lutte contre le franquisme serait l’étape suivante. Mais l’Espagne n’était pas l’Allemagne et les Alliés avaient d’autres projets…
La Nueve raconte le parcours d’un de ces républicains espagnols, Miguel Ruiz, depuis les quais d’Alicante où il embarqua pour l’Afrique du Nord jusqu’à la Libération de Paris. C’est dans le nord-est de la France, à Baccarat très précisément, que Paco Roca met en scène sa rencontre avec le vétéran espagnol qui lui raconte sa guerre dans les moindres détails. Le récit alterne alors entre l’épopée de ces héros oubliés de l’histoire officielle et la rencontre pleine d’humanité entre l’auteur et le vieil homme.
Mais Miguel Ruiz a-t-il vraiment existé ? Pas tout à fait. Le personnage central de ce récit est fictif mais largement inspiré d’un combattant de la Nueve, Miguel Campos. Paco Roca nous explique :
« Miguel Campos est un personnage bien réel dont on trouve trace dans les carnets de route du capitaine de la Nueve, Raymond Dronne. Celui-ci le présente comme un anarchiste, vaillant au combat. Après la prise de Paris, il a disparu au cours d’une mission derrière les lignes ennemies. Son corps n’a jamais été retrouvé, ce qui a permis toutes les spéculations. Pour les uns, il était mort, pour les autres, il avait déserté pour rejoindre un groupe d’anarchistes. De plus, ce nom de Miguel Campos était certainement un faux nom, ce qui a rendu impossible de reconstituer son passé et de localiser un parent. L’interview de Miguel Ruiz permet de faire revivre Miguel Campos. Bien que cette interview soit fictive, j’ai tenté d’être très cohérent avec le personnage de Miguel Campos ».
Au moment où l’on s’apprête à fêter les 70 ans de la libération de Paris, le roman graphique de Paco Roca nous invite à porter un regard nouveau sur cet épisode très important dans notre histoire. Un album essentiel préfacé par la maire de Paris, Anne Hidalgo, d’origine espagnole !
Eric Guillaud
La Nueve, de Paco Roca. Editions Delcourt. 29,95 €
Après Les Ignorants et Le Chien qui louche, l’auteur angevin Etienne Davodeau retrouve son compagnon de longue date Joub pour imaginer une suite à la trilogie Geronimo qu’ils avaient écrite ensemble il y a quelques années. Interview à lire ici…
Après Max Jacob, Apollinaire et Matisse, voici enfin le dernier tome de la saga du jeune peintre espagnol appelé à être mondialement connu : Pablo. Commencée en 2012, cette série est née d’une idée de Julie Birmant qui a choisi le point de vue de la première muse de Picasso : Fernande, restée jusqu’à présent dans l’ombre du maître. Clément Oubrerie a relevé le défi de dessiner les premiers pas de l’artiste à Montmartre. Ce 4ème album débute en 1907 aux premières heures du cubisme.
– Est-ce que dessiner la jeunesse de Picasso quand il a commencé à peindre cela a été un défi ou un plaisir pour vous ?
Clément Oubrerie : Moi, j’adore Picasso de toute manière. Là, l’idée ce n’était pas du tout de faire de l’art en tant que tel, mais plutôt d’essayer de se rapprocher de l’esprit de l’époque et d’utiliser le matériel de l’époque comme le fusain.
– C’est une contrainte que vous vous êtes fixée d’utiliser le matériel de l’époque ?
– Oui et d’être plutôt sur des grands formats, de dessiner les images une à une, comme si cela était des tableaux.
– Votre style évolue au fil des tomes. Est-ce un choix délibéré ?
– Ce n’est pas conscient mais je ne m’interdis pas de changer, de m’adapter. J’essaye juste de suivre et d’être dans la dynamique du récit. Cela dépend selon l’humeur et il n’y a pas vraiment de règle. C’est que l’on n’est pas dans la ligne claire. Il n’y a pas une charte hyper stricte, c’est plus instinctif.
« Je n’ai rien inventé. Tout est réel. C’était totalement grandiose et démesuré ! » Clément Oubrerie
– Même s’il y a des références à la ligne claire d’Hergé avec l’épisode de la consommation d’opium ?
– Oui effectivement c’est effectivement une grosse référence et Tintin est dans mon panthéon personnel.
– L’essentiel du récit se déroule à Paris. Avez-vous travaillé avec des documents d’époque pour reconstituer l’ambiance du début du siècle ou avez vous choisi de vous rendre sur place ?
– Les deux. Tout est bon à prendre. Julie Birmant a une énorme documentation. Moi j’avais aussi pas mal de doc. Et pour le 4ème tome nous avons eu accès à toutes les archives du Musée Picasso. On le sait peu, il était fou de la photo très vite. Il a eu son premier appareil vers 1905. Avant la réouverture prochaine du musée, nous avons pu voir pleins de photos que personnes n’a jamais vues. Il y a aussi le musée de Montmartre qui est en pleine renaissance.
– Vous avez aussi utilisé leurs archives ?
– Oui, ils sont aussi énormément d’archives photographiques sur Montmartre du début du siècle et eux aussi nous ont donné les clés. C’était un truc un peu poussiéreux et là, il y a une nouvelle équipe qui est entrain de tout changer. Leurs photos sont classées par rues, commerces, par scènes et c’est une mine d’or pour les décors. C’est pour ce tome, que nous avons bénéficié de la plus grande quantité de matériel.
– Il y a une scène éblouissante, celle de l’exposition universelle avec, par exemple, un tapis roulant en bois.
– Je n’ai rien inventé. Tout est réel. C’était totalement grandiose et démesuré. Ils ont construits des trucs gigantesques qui ont été détruits juste après. Certains étaient plus ou moins de bon goût. Il y avait des monuments du kitsch, des trucs incroyables.
Nous l’avions interviewé en mars 2010 alors qu’il venait de publier le septième volet de Samson et Néon. Quelques années et bébés plus tards, nous le retrouvons quasi inchangé, toujours aussi Tebo, à l’occasion d’un nouveau Captain Biceps, les aventures du justicier en collant rouge qu’il anime depuis 10 ans maintenant avec son ami Zep. 400 000 exemplaires vendus à ce jour annonce fièrement l’éditeur. De quoi bomber le torse et jouer les gros bras mais ce serait mal connaître Tebo, rencontre avec un auteur qui aime les super-héros pour de vrai et la baston pour de rire…
C’est pas commun comme nom, Tebo. D’où ça vient ?
Tebo. Comme je n’ai jamais pu me trouver un pseudo classe, j’ai juste simplifié mon nom de famille qui est thébault.
Une vingtaine d’albums, deux séries adaptées en dessins animés pour la télé… bref, tu es un peu une star de la BD maintenant. C’est facile à vivre? Tebo. Il y a pire comme métier… En fait, j’ai même trois séries adaptées en dessins animés : Samson et Néon, Captain Biceps et Comment dessiner?. Et là, je bosse sur une autre série animée avec Futurikon (société de production française, ndlr). Les héros sont mes deux premiers enfants et ça s’appellera César et Capucine. Euh… je me la pète un peu !
Tu habites Caen, est-ce un bon endroit pour trouver l’inspiration ? Tebo. Non, jamais (même si j’aime beaucoup ma ville… ou alors il faudrait qu’il pleuve un peu moins).
Et travailler avec Zep, c’est comment ? Tebo. Un pied d’enfer ! On se connait depuis 15 ans grâce à la création du journal Tchô! (journal de titeuf). On est devenu vite copains. Et comme on aimait le travail de chacun, il était logique qu’on travaille ensemble. En plus d’être mon pote, d’être très connu, Zep est un des meilleurs scenaristes du gag en une page. Il faudrait être idiot pour refuser de bosser avec lui.
Si je compte bien, c’est le sixième album de Captain Biceps. C’est un puits sans fond en plus d’être une mine d’or ?
Tebo. Le puits sans fond, il faut le travailler… parce que les idées ne tombent pas toutes seules du ciel ! Et si on veut avoir une mine d’or, il faut être très exigeant sur son travail…
Si je te demandais de tirer le portrait de ton personnage, comment le décrirais-tu ? Tebo. Faut être une grosse brutasse avec peu de cerveau pour oser s’appeler Captain Biceps!
Qu’est-ce qui t’inspire dans la vie ? Tebo. Pas grand chose… car c’est un très gros boulot pour moi de trouver mes histoires, mes gags ainsi que mes petits bouts de phrases rigolotes dans les bulles. Je creuse dans le fond de mon cerveau pour trouver tout ça!
Et qu’est ce qui t’a plus précisément inspiré pour imaginer ton Captain Biceps et ses aventures ?
Tebo. Captain Biceps est né de l’amour que je porte aux histoires de super-héros (c’est ce genre de bd qui m’a donné envie d’être dessinateur) et des histoires rigolotes trash de Wuillemin, Edika, Maester et surtout Gotlib, avec qui j’ai dessiné un combat de Captain Biceps contre Superdupont! Oui, je sais, je me la pète encore…
Tu n’en a pas marre de faire dans le gros bras ? Tu n’as pas envie d’un peu de tendresse, de délicatesse, de faire une série pour les filles avec des princesses qui chantent et font du cheval, un mélange de Violetta et de Grand Galop quoi ? Tebo. C’est super dur pour moi, de dessiner un cheval… donc, je vais continué à faire ce que j’adore faire : des hommes en collant et slip qui se mettent des bonnes roustes!
Est-ce qu’il y a du Biceps en toi et inversement ? Tebo. J’ai de trop grosses cuisses pour être Captain Biceps! Et Captain Biceps est nul avec les filles, alors que moi… ah! merde! moi aussi je suis assez nul avec elles. Bon, ben, j’ai au moins un point commun avec mon héros.
Dans une interview de 2011, tu annonçais pour le tome 6 un récit long et moins de combats ? Au final, on retrouve les mêmes ingrédients que dans les albums précédents, à savoir des histoires courtes et de la baston à toutes les pages ou presque. C’est difficile de changer une formule qui marche ?
Tebo. Quand je parlais de combats, il s’agissait des « combats-gag en une page ». J’en avais un peu marre de les dessiner et je trouvais que l’on avait fait le tour de ce genre d’histoire. Ce qui qui est nouveau dans cet album, c’est qu’il n’y a QUE des histoires courtes avec des petites astuces qui les relient entre elles pour en faire une sorte de grande histoire. En plus, Captain Biceps a avec lui dans (pratiquement) toutes les histoires un assistant (Genius Boy)… Ce qui change un peu la série.
Quel effet ça fait d’être exposé dans une galerie comme Arludik à Paris (du 6/3 au 5/4) ?
Tebo. C’est classe ! Je suis très fier, je commence à snober tous mes confrères qui n’ont pas exposé dans cette superbe galerie.
Quel est ton coup de gueule du moment ? Tebo. il y a trop de bd qui sortent chaque année (et beaucoup trop de bouses à mon goût), ce qui laisse trop peu de places aux bonnes bd et surtout peu de temps pour que les gens les découvrent. Certaines bd restent à peine une semaine en vitrine avant de retourner dans les cartons… C’est triste!
Quel est ton coup de coeur du moment ?
Tebo. Le film Gravity m’a mis une bonne claque!
Un mot sur tes projets ? Tebo. J’ai deux bouquins jeunesse qui vont sortir en juin et septembre 2014 (Les Psicopattes 1 et 2, avec Hélène Bruller au scénario chez glénat). Je participe au tome 2 de L’Atelier Mastodonte, une série publiée dans le journal spirou (sortie en juin 2014 chez dupuis). Je bosse sur les illustrations d’un livre traduit de l’américain qui s’appelle Je pète donc je suis (sortie en octobre 2014 chez glénat), j’attaque le story board du troisième et dernier tome d’Alice au pays des singes (sortie en janvier 2015 chez glénat). Ensuite en juin de cette année, je commence une bd (scenario, dessin et couleur) avec comme héros MIckey (chez Glénat et Disney). L’année prochaine, je dois faire une aventure de Spirou, et après ça, je pourrais reprendre les aventures de Captain Biceps (mais sans mon pote Zep qui est trop occupé ailleurs). Enfin, je prendrai une journée de vacances, et après je me remettrai au boulot…
Ah oui quand même ! Un dernier mot (pas trop gros) ? Tebo. Il y avait beaucoup trop de questions à cette interview…
Nous sommes d’accord. Merci Tebo !
Interview réalisée le 13 mars 2013 par Eric Guillaud
Retrouvez la vie trépidante de Tebo ici, l’exposition Arludik làet la chronique du sixième album de Captain Bicepssur ce blog
Présenté comme l’un des auteurs les plus prolifiques du moment et surtout considéré comme l’un des plus brillants scénaristes, Régis Hautière aborde la science fiction comme l’histoire, le polar comme l’aventure, avec la même intelligence d’esprit, la même limpidité dans l’écriture, la même humanité dans l’approche. A l’occasion de la sortie du tome 2 de La Guerre des Lulus, et en cette année de commémoration, Régis Hautière nous parle de la Grande guerre, de sa représentation dans la série et de sa place dans la mémoire collective…
La représentation de la guerre dans votre album est moins frontale, moins violente, que dans un album de Tardi par exemple, la jugez-vous pour autant édulcorée?
Régis Hautière. Non. Il est certain que la facette de la guerre que nous avons choisi de montrer (celle du quotidien d’un petit groupe d’enfants) est moins atroce que celle des combats de tranchées. Il est vrai aussi que nous nous sommes donné comme objectif de réaliser une bande dessinée tout public et pas uniquement réservée aux adultes. Néanmoins, notre récit n’est pas exempt de dureté et nous ne cherchons pas à rendre la guerre jolie ou sympathique. Nous avons seulement choisi de l’aborder sous un angle qui nous évite de montrer des images pouvant heurter certaines sensibilités. Nous n’avons pas la prétention, dans la Guerre des Lulus, d’apporter un regard global sur la guerre de 1914. Notre récit est un simple point de vue sur la Grande Guerre et, comme tout point de vue, il est réducteur puisqu’il n’aborde le conflit que sous l’un de ses angles. A ce titre, le point de vue d’un poilu ou celui d’un officier d’artillerie est tout aussi réducteur. La Grande Guerre ne se résume pas aux tranchées du front ouest, sa réalité est multiple et beaucoup plus vaste. Les privations et humiliations subies par les civils vivant dans les territoires occupés par les Allemands, par exemple, constituent l’un des aspects de cette réalité. La particularité du point de vue proposé dans la Guerre des Lulus est triple : celui qui l’exprime n’est pas un militaire, il n’est pas adulte au moment des faits et il évolue en zone occupée. La guerre telle qu’il l’a vécue et telle qu’il la dépeint est donc très différente du tableau qu’en brosserait un soldat envoyé au front. Mais cette vision n’est pas moins vraie ou moins pertinente que celle du soldat ; les deux se complètent.
La Guerre des Lulus n’est pas C’était la guerre des tranchées mais ce n’est pas non plus le Club des cinq
En choisissant l’angle des enfants, n’y a t il pas un risque de donner une image romantique d’un fait, d’une époque, qui ne le sont absolument pas ?
R.H. Je ne pense pas. Ne serait-ce que parce que les Lulus vivent des choses difficiles, ils connaissent la faim, le froid, la peur, la désillusion et une certaine forme de désespoir (même si leur naturel est plutôt optimiste). La Guerre des Lulus n’est pas C’était la guerre des tranchées mais ce n’est pas non plus le Club des cinq. Les Lulus vont vivre et voir des choses difficiles, des choses auxquelles ils n’auraient pas été confrontés en temps de paix. A partir du tome 3, notamment, les Lulus quittent leur forêt et leur cabane. Ils vont découvrir, et le lecteur avec eux, que la vie des civils dans la zone occupée n’a rien d’une sinécure.
L’un des éléments principaux de fascination, par rapport à la guerre de 1914, est sans doute qu’elle nous semble à la fois lointaine et contemporaine
Pourquoi selon vous la Grande guerre fascine autant les Français ?
R.H. Je crois que l’intérêt des Français pour cette guerre est relativement récent. Lors des années qui ont suivi cette guerre on a cherché à oublier : les civils voulait passer rapidement à autre chose, la guerre terminée on voulait profiter de la paix, et les soldats étaient incapables de parler des horreurs qu’ils avaient vécues. Et puis la seconde guerre mondiale est arrivée et elle a occupé les esprits. A mesure que cette période s’éloigne de nous, on s’y intéresse de nouveau, avec peut-être cette fois le recul nécessaire et le désir de comprendre comment cette monstrueuse absurdité a pu se produire. L’un des éléments principaux de fascination, par rapport à la guerre de 1914, est sans doute qu’elle nous semble à la fois lointaine et contemporaine. C’est une guerre moderne, du point de vue technologique, mais aussi terriblement archaïque, si on regarde les stratégies mises en œuvre. L’intérêt des Français pour cette guerre me semble cependant très inférieur à celui des anglo-saxons. L’Anzac Day, par exemple, célébré chaque année par les Australiens et les Néo-Zélandais, n’a aucun équivalent français.
Merci Régis
Interview réalisée le 26 février 2014 par Eric Guillaud
Le Festival International de la BD d’Angoulême a commencé ce jeudi. Des milliers de visiteurs, auteurs, éditeurs, journalistes et de héros sont attendus pour cette grande messe annuelle. Et parmi eux, l’équipe nantaise de la revue de bandes dessinées numériques Professeur Cyclope…
La révolution numérique aura-t-elle la peau de nos héros de papier ? C’est la question qu’un bon nombre d’acteurs du secteur se posent depuis maintenant plusieurs années, scrutant ici les nouvelles habitudes des lecteurs, testant là de nouvelles offres sur le web… des offres souvent hésitantes, imparfaites, copiées-collées de ce qui existe en album.
Mais pendant que les uns s’interrogent, d’autres ont pris le parti de foncer dans le numérique, de creuser, d’explorer, d’expérimenter, de se planter, de recommencer… Sans pour autant parier sur la mort du papier, bien au contraire, mais en recherchant les points de convergence, de complémentarité entre les deux supports.
C’est le cas de l’équipe du Professeur Cyclope, un mensuel de bandes dessinées et fictions numériques lancé en mars 2013 du côté de l’Ile de Nantes, oui oui pas très loin de notre fier éléphant et surtout de la Spirou Factory, l’atelier d’un certain Yoann, dessinateur des aventures de Spirou.
Et si je parle de Spirou, ce n’est pas pour faire bien et faire du clic ! Fabien Vehlmann est le scénariste de ses aventures et surtout l’un des fondateurs de Professeur Cyclope avec Gwen de Bonneval, Brüno, Cyril Pedrosa et Hervé Tanquerelle, un auteur qui sait autant animer les héros d’hier que ceux de demain. Avant son départ pour Angoulême, nous nous devions de l’interviewer. Une interview à lire ici
Quelques jours d’été, Zoé, Pleine Lune, Sorcières, Henri-Désiré Landru, Terre Neuvas, Construire un feu, Un peu de bois et d’acier… Christophe Chabouté est l’auteur d’une bonne vingtaine d’albums, une œuvre sensible, racée, poétique et graphiquement sublime. Malgré tout l’homme reste modeste, accessible et les deux pieds sur Terre. Et s’il vous fallait une preuve, alors je pourrais vous raconter la drôle d’aventure qui m’est arrivée en préparant cette interview. Un soir, un peu fatigué je pense, une mauvaise manipulation sur mon ordinateur a pour effet d’envoyer prématurément mes questions et mes notes sur le web à la vue de tous. Au réveil, je découvre un message de Christophe Chabouté qui en se promenant sur le net est tombé sur ces fameuses questions, s’est empressé d’y répondre et de me les renvoyer. C’est bien la première fois qu’un auteur répond à mes questions avant même que je les lui pose. Magique !
J’ai lu quelque part que vous détestiez les interviews. J’ai lu aussi quelque part que vous étiez quelqu’un de gentil et de modeste. Et c’est l’image que j’ai de vous ! Comment fait-on pour vendre un livre dans ces conditions ?
Chabouté. Mon métier n’est pas de vendre des bouquins, mon métier est de raconter des histoires du mieux que je peux, d’embarquer des gens dans l’univers que je dessine, de leur donner envie de tourner les pages du livre qu’ils sont en train de lire et de préférence avec enthousiasme, curiosité et plaisir…
Je ne sais pas surenchérir sur quelque chose que j’ai déjà raconté, en remettre une couche. Je l’ai raconté avec l’outil « images narratives », je ne veux pas et ne sais pas le raconter autrement. Je fais ce boulot parce que je peux le faire dans l’ombre, en retrait… et d’un coup on se retrouve à la lumière. Il faut alors raconter et expliquer ce qu’on a voulu faire, dire, pourquoi et comment. Je passe environ un an à suer sur un bouquin, à décortiquer une histoire pour la réassembler, à essayer de trouver la meilleur manière de raconter, de faire passer une émotion. Je finis sur les genoux et ensuite, après ce marathon, on me demande de raconter à nouveau et de résumer ce que j’ai voulu dire avec cette fois l’outil que je maitrise le moins : la parole.
Parce que ce qui est important pour moi, c’est le livre et l’émotion que j’arrive peut-être à mettre dans ses pages, la petite musique que le lecteur entendra peut-être dans mes cases muettes. Je suis plus à l’aise pour raconter avec les images et du texte au dessus des dessins (ou pas) qu’avec les mots. Si le livre se défend de lui même et embarque le lecteur, c’est que j’ai bien fait mon travail !
Modeste, je ne sais pas. Quand j’entends dire que mes bouquins plaisent ou quand je rencontre des lecteurs qui ont aimé mes histoires, je repars à chaque fois en marchant à un mètre au dessus du sol et fier comme un pou. Je suis très flatté qu’on me considère comme quelqu’un de gentil, ce qui ne m’empêche pas d’être complètement ours et totalement imbuvable à certains moments (mais en général, je me cache derrière ma table a dessin dans ces moments-là !)
Vous êtes gentil et modeste mais quand même responsable et coupable d’un bon nombre de BD qui figurent au rang des indispensables. Ne pas connaître l’œuvre de Chabouté aujourd’hui, c’est comme ignorer l’œuvre de Pratt ou de Chaland hier. Êtes-vous pleinement conscient d’avoir créé un style, un univers reconnaissable entre tous ?
Chabouté. Je préfère ne pas prendre conscience de trop de choses et ne pas trop me poser de questions à ce sujet… Je suis très flatté que vous me parliez de Pratt, d’œuvre, de style ou d’univers… mais chaque fois que j’attaque un nouveau livre j’ai l’impression de tout remettre sur le tapis. C’est tellement dangereux de se mettre à la table à dessin en croyant être étayé par ses précédents livres. C’est la meilleure manière de fausser la sincérité que l’on pourrait mettre dans ce que l’on va raconter. Je préfère m’acharner sur ce que j’ai à faire plutôt que de me retourner sur ce que j’ai fait…
Le noir et blanc ainsi que les silences sont votre signature. En quoi vont-ils si bien à vos BD ?
Chabouté. Le noir et blanc sert les histoires que je raconte. C’est l’outil idéal pour mettre une ambiance en place, pour créer une atmosphère.
Par contre, si mes histoires demandent de la couleur ( ce qui a été le cas pour quelques-uns de mes albums), alors je l’utilise sans hésiter. J’utilise les outils qui servent au mieux les histoires que je veux raconter, noir et blanc ou couleurs, dialogues ou pas, grosse pagination, tout est fonction de ce que l’histoire demande…
.
Est-ce évident aujourd’hui de vendre une BD en noir et blanc à un éditeur ?
Chabouté. Pour un jeune auteur, ce ne doit pas être facile, ce n’était déjà pas évident il y a 15/20 ans… Merci Tardi, Pratt, Baudoin, Comes et j’en oublie ! Mais le « roman graphique » fait de plus en plus partie des formats courants en BD.
A l’occasion de la sortie de l’adaptation de « Construire un feu » de Jack London, vous déclariez que l’essentiel était de retrouver l’âme de l’auteur. Comment justement fait-on pour garder cet âme ? Avez-vous une recette magique ?
Chabouté. Je n’ai heureusement pas de recette, j’ai envie d’adapter ou de raconter ce qui me fait vibrer. « Construire un feu » m’a littéralement scotché et donné l’envie de mettre en images une histoire où il ne se passe à priori… rien ! Tenter de retranscrire en images la puissance du texte de Jack London a été un super exercice. Je pense que la moindre des choses, même si on met sa « patte » dans l’adaptation, si on se l’approprie, c’est de respecter l’âme de l’auteur, l’âme du livre, essayer d’aller vers ce qu’il voulait dire…
.
Quand avez-vous lu « Moby Dick » pour la première fois ? Et qu’avez-vous alors ressenti ?
Chabouté. C’est surtout, petit, le film de John Huston qui m’avait marqué et bien entendu l’interprétation de Gregory Peck (en plus, je l’avais vu en noir et blanc ). Plus tard, j’ai lu le roman et j’avais l’impression de faire partie de l’équipage. Comme eux, je n’avais qu’une hâte : c’était de voir enfin cette satanée baleine. J’ai été marqué aussi par les conditions de pêche et de vie à bord, le quotidien… Marqué aussi par l’emprise terrible qu’avait ce capitaine sur ses hommes !
Qu’est-ce qui vous a amené précisément à adapter aujourd’hui le roman d’Herman Melville ? Quel a été le déclic ?
Chabouté. Le défi de s’attaquer à un monument… La mince frontière entre l’acharnement et la folie d’Achab… Raconter avec des silences une grande partie de ce qu’a raconté Melville avec des mots et tenter d’en dire autant. Et puis j’ai l’océan tout autour de moi, je respire de grandes bouffées d’iode tous les jours et quand j’ouvre la fenêtre de mon atelier, par grosse houle, j’entends les vagues se briser sur la plage, ça aide !
.
N’était-ce pas un véritable défi au vu des quantités d’adaptations existantes aussi bien en film qu’en BD ou en livres jeunesse ?
Chabouté. On prend toujours un risque quand on attaque un nouveau bouquin, on se met (d’une certaine manière) en danger. Dans un livre précédent, j’avais décidé de raconter une histoire de plus de 380 pages où le personnage principal était un simple banc. Et pour corser l’affaire, j’avais fait le choix de ne pas mettre une seule ligne de dialogue. Si on ne prend pas de risque on ne fait plus rien, et puis chacun met sa patte personnelle dans une adaptation, c’est ce qui en fait le charme. Tout à déjà été raconté, c’est la manière de raconter qui diffère !
.
Le défi fait partie je crois de vos carburants ?
Chabouté. C´est tellement facile de s’endormir sur ce que l’on sait faire ou ce qui rassure, éviter de se répéter, tourner en rond, raconter ce qu’on a déjà raconté, il faut se bousculer pour aller chercher dans d’autres directions et c’est encore plus vrai quand on travaille seul.
Vous travaillez toujours seul. Votre liberté aussi est un « carburant » ?
Chabouté. Un carburant, je ne sais pas. La liberté est un énorme confort de travail, je peux changer d’avis au dernier moment sur certains détails, bousculer une histoire… Je n’ai pas de compte à rendre.
.
Quelle a été la principale difficulté que vous ayez rencontrée pour cette adaptation ?
Chabouté. Élaguer le roman sans tomber dans l’adaptation classique. Ne pas rendre Achab théâtral mais plutôt humain, fragile, vieux, montrer ses faiblesses… et surtout faire rentrer les 800 pages du roman dans les 2 fois 120 pages des albums.
Vous êtes d’origine Alsacienne je crois et vous vivez aujourd’hui sur l’Ile d’Oléron. C’est l’océan qui vous a attiré ? Quel rapport entretenez-vous avec lui ?
Chabouté. j’ai atterri par hasard à Oléron ne pensant pas y rester et j’ai découvert l’océan ! Grosse claque, fascinant et terrifiant à la fois. Belle rencontre. Je me suis rendu compte que l’océan est une mine pour l’imagination comme peut l’être une balade en forêt en pleine nuit, un cocktail qui mêle trouille, attirance et envoutement.
.
Vous allez rire mais je n’ai jamais mis les pieds sur un bateau
« Terre Neuvas » et « Tout seul » hier, « Moby Dick » aujourd’hui, on sent que vous êtes très à l’aise avec cet univers, tant d’un point de vue narratif que graphique…
Chabouté. C’est gentil ! Et vous allez rire mais je n’ai jamais mis les pieds sur un bateau, j’ai un mal de mer terrible et je me sens mieux avec les deux pieds bien posés sur le sable.
Comme toujours dans vos albums, vous laissez le silence s’installer et rythmer le récit. C’est important pour vous de laisser le lecteur puiser dans son imaginaire, de ne pas le contraindre à un rôle « passif » ?
Chabouté. Dans la bande dessinée, je peux raconter toute une histoire sans une ligne de texte, ce que je ne peux pas écrire je le dessine, ce que je ne peux pas dessiner je l’écris, mélangez tout ça et rajoutez-y l’espace blanc entre les deux cases : l’ellipse où l’imagination du lecteur va se loger. Souvent, un silence bien placé ou bien distillé peut faire beaucoup de bruit. Je m’applique à laisser des portes ouvertes pour que le lecteur s’y engouffre, j’essaye de lui laisser beaucoup de latitude tout en le guidant évidement mais je lui laisse « de la place » afin qu’il puisse s’approprier l’histoire.
.
un silence bien placé ou bien distillé peut faire beaucoup de bruit
Qu’est-ce qui vous inspire dans la vie ?
Chabouté. Tout ! Tout ce qui m’entoure, le quotidien, l’aventure qui peut démarrer au coin de la rue, l’importance du futile, le coté fantastique que peut engendrer une situation banale suivant le point de vue dans lequel on se place… Tout est matière à histoire, il suffit, je pense, d’arriver à ouvrir grand ses yeux et ses oreilles pour faire le plein de matière première.
En tant que lecteur, vous sentez-vous plus proche de la littérature ou de la BD ?
Chabouté. Après 8 à 10 heures de boulot quotidien (si si !) à « faire » des images, je préfère évidemment lire un roman et laisser courir l’imagination, je n’ai pas envie d’images toutes faites. Et je lis des bandes dessinées qui sont en général complètement à l’opposé de mon univers.
.
Quel est votre livre de chevet ?
Chabouté. Ma bibliothèque !
.
Quel est votre coup de cœur du moment ?
Chabouté.
– Le dernier Flao « kililana song » , le dernier Baru « canicule », le dernier Bezian « docteur radar » (quand je serai grand , je serai eux ! ils sont vraiment fort !)
– Un essai sur le blues : « philosophie du blues – une éthique de l’errance solitaire » de Philippe Paraire
– Le dernier album de Kelly Joe Phelps : « Brother sinner and the whale », de la guitare slide magique, j’écoute ça en boucle depuis un moment déja…
– Le film de Philippe Le Guay « Alceste à bicyclette »,
– Ma fille de 10 ans qui fait des progrès énormes en crawl
.
Quel est votre coup de gueule du moment ?
Chabouté. Je préfère parler de choses positives et sympas plutôt que d’alimenter la connerie ambiante.
.
Un mot ou trente sur vos projets…
Chabouté. Terminer le livre second de Moby Dick. Et pour le reste, je ne parle jamais de mes projets à venir tout simplement parce que je préfère garder l’énergie que je vais y mettre intacte.
Lorsque le livre est terminé, il appartient au lecteur et moi je m’éclipse, je l’efface de ma tête pour repartir ailleurs… Mais tant qu’il est dans un recoin de ma tête et en partie sur ma table à dessin, je me le garde !
.
Merci Chistophe
Interview réalisée le 16 janvier par Eric Guillaud
Retrouvez la chronique de l’album sur notre blog dédié BD, plus d’infos sur l’auteur ici
Il aurait pu imaginer pour son nouvel album le casse du siècle au Louvre, le vol de la Joconde ou du Radeau de la Méduse, mais Etienne Davodeau n’est pas de ce genre-là. L’auteur ligérien préfère les histoires ancrées dans le réel, le quotidien, même quand il signe une comédie comme aujourd’hui…
Etienne Davodeau est l’auteur de ce qu’il est convenu d’appeler quelques classiques de la BD francophone comme « Rural! », « Les Mauvaises gens », « Quelques jours avec un menteur », « Lulu femme nue« , dont l’adaptation cinéma sortira en janvier 2014, ou encore « Les Ignorants« , initiation croisée entre un auteur de BD et un viticulteur. Un véritable succès de librairie vendu à 150 000 exemplaires en langue française et traduit en allemand, espagnol, italien, brésilien…
Mais Etienne Davodeau n’est pas du genre à s’endormir sur ses lauriers, encore moins sur ses piles de livres. Alors, aussitôt apposé sa signature sur la dernière page d’un album, l’homme rebondit sur un autre projet, en alternant si possible fiction et documentaire.
Son nouvel album, « Le Chien qui louche », entre dans la catégorie fiction même si le récit, comme tous ceux d’Etienne Davodeau, reste profondément ancré dans le réel. C’est sa marque de fabrique : le quotidien, les petites choses qu’on ne voit pas et qui sont pourtant là à portée de main et puis ces gens ordinaires, tous ces « losers magnifiques » pour reprendre une de ses expressions.
Nous avons publié voici quelques jours l’interview de Régis Hautière, le scénariste de la série Aquablue, invité au festival des Utopiales à Nantes. Nous avions souhaité par la même occasion poser les mêmes questions à Reno, le dessinateur de la série. Voici ses réponses…
Trois ans, trois albums. Est-ce que l’envie d’animer les aventures de Nao est toujours aussi vive ?
Reno. Plus que jamais ! J’ai l’impression d’avoir encore tout à montrer et tout à prouver. Nous étions parti à la base de notre reprise sur un cycle de 5 tomes mais tout indique que nous allons finalement nous étendre un peu plus. Et c’est tant mieux.
.
Qu’est ce qui vous a décidé à reprendre cette série ?
.
Reno. En matière de SF, c’est LE monde que je voulais illustrer. Ado j’étais fan de la série et je n’ai pas hésité longtemps avant d’accepter de travailler sur cette reprise.
Et que pensez-vous lui apporter ?
Reno. Thierry Cailleteau et Olivier Vatine on réussi selon moi un magnifique mélange des genres à l’époque, qui a largement fait école depuis. De la bd franco-belge, profondément influencé par les codes du cinéma à grand spectacle hollywoodien avec des éléments empruntés aux comics et aux mangas sans toutefois perdre son identité. J’espère encore accentuer ce métissage tout en poussant les curseurs sur le réalisme et le spectaculaire. A l’époque ou Aquablue était sorti, le numérique était encore loin de s’être imposé à Hollywood et les jeux videos étaient en 16 couleurs. Aujourd’hui, en matière de blockbuster et de jeux videos, l’industrialisation et la technicité des effets spéciaux est telle qu’en comparaison, la bd fait vraiment figure d’artisanat. Ne vous méprenez pas, je trouve ça formidable et j’espère que les auteurs européens pourront promouvoir encore longtemps ce qui fait la singularité de notre bd . Mais ça me donne le sentiment que dans ce genre en particulier, la sf, je me dois d’aller chercher les techniques les plus récentes et de tenter de les intégrer à cette bd. J’aimerai également avec le concours de Régis, épaissir les personnages et rompre avec le manichéisme passé de la série.
.
Avec le recul, jugez-vous que la reprise d’Aqualue s’est faite facilement ?
.
Oui, ça s’est fait très naturellement, tout comme le travail avec Régis.
.
Quels retours avez-vous des aficionados de la première heure ?
. Les retours sont bons, je ne sais pas si on peut l’affirmer après trois tomes, mais je pense qu’on a su gagner la confiance des lecteurs.
Avez-vous eu des contacts avec les créateurs de la série Olivier Vatine et Thierry Cailleteau ?
. Reno. Très peu, mais j’ai cru comprendre qu’ils étaient très contents de cette reprise. .
Comment fait-on pour s’approprier des personnages, des décors, un univers, inventés par d’autres et en même temps y apposer sa griffe ?
. Reno. Pour ma part, l’univers correspond tellement à ce que j’aurai pu faire spontanément, que ça n’a pas été difficile. D’autant plus que plusieurs dessinateurs ( Tota et Siro ) avaient déjà avant moi, réinterprété ce monde et ses personnages. Scénaristiquement et graphiquement, il s’est plus agi pour nous de faire une moyenne de toutes ces interprétations et d’y greffer nos envies pour cette série. Et quand je pense à la pression que doivent représenter des grosses reprises comme Blake et Mortimer, Lucky Luke ou surtout le dernier Astérix, ou là il ne s’agit pas d’un simple « devoir de cohérence » mais d’une véritable continuité graphique et scénaristique, je me dis qu’on est bien lotti et que Delcourt nous a vraiment laissé carte blanche.
Quel a été votre objectif premier, scénaristiquement et graphiquement parlant, au moment de la reprise d’Aquablue ?
Reno. Tenter de ne pas trahir ce qui m’avait plu dans le premier cycle tout en apportant une grosse touche réaliste et cinématographique aux personnages et aux contextes. Rompre avec les approches précédentes pour apporter quelque chose de neuf et d’original tout en honorant le travail de Vatine que j’admire.
.
Aquablue a toujours été synonyme d’écologie, d’humanisme. Est-ce quelque chose qui vous tient également à coeur ?
.
Reno. Une bd de sf est selon moi forcément un message vulgarisé d’écologie et d’humanisme. Optimiste ou pessimiste. L’écologie et l’humanisme devrait être au centre de toutes les préoccupations de nos politiques, mais affirmer cela est évidemment d’une naïveté confondante et je me désole chaque jour de voir le « réalisme économique » et les plus bas instincts humains triompher sur le bien commun. Le récit d’Aquablue enfonce des portes ouvertes et pourrait être perçu comme fort candide, mais il est finalement tellement proche de la réalité qu’il est, je pense, toujours pertinent.
Votre graphisme est beaucoup plus réaliste que celui de Vatine ou Ciro Tota. Avez-vous dû faire des concessions ?
. Reno. Ce fut ma seule condition pour m’atteler à cette reprise, développer mon style que je savais en rupture, sans faire de concessions. J’ai de la chance, car malgré quelques grincements de dents face à mon approche tout numérique, je crois que le nouveau cocktail est plutôt bien passé.
.
Quelle a été votre première rencontre avec la science fiction et quelle a été son influence sur votre travail ?
. Reno. Je ne vais pas être très original mais je suis un gamin des années 80 biberonné au Spielberg et au Lucas. Et je ne m’en suis jamais remis. J’ai eu beau entre autres, dévorer les bouquins d’Asimov à mon adolescence et m’inprégner de multiples influences artistiques, pour moi la SF c’est un grand écran avec une scéne se situant entre l’attaque de l’étoile de la mort et l’arrivée des extra-terrestres dans rencontre du troisème type.
.
Que recherchez-vous en priorité dans la science fiction ?
. Reno. Qu’elle me transporte ailleurs.
.
Quelles sont vos références, vos influences, vos maîtres ?
. Reno. Tudieu ! Elles sont si nombreuses qu’il va être assez fastidieux de toutes les énumérer. C’est donc comme je le disais plus haut, le cinéma de genre hollywoodien qui m’a d’abord profondément marqué, je ne peux pas le nier. Ces satanés ricains ont beau nous coller des personnages avec des psychologies en carton, ils ont des moyens insolents et savent s’y prendre pour formidablement mettre en image le merveilleux. A l’adolescence j’ai eu deux chocs artistiques majeurs et radicalement opposés, d’un côté j’ai découvert l’histoire de l’art et tout en apprenant maladroitement à maitriser la peinture je suis tombé amoureux des impressionnistes et leur représentation de la lumière et de l’autre il a y eu l’électrochoc « Akira » de katsuhiro Otomo ou comment faire voler en éclat tous les codes de la bd franco-belge que je chérissais jusque là. Aujourd’hui, je vénère à la fois les illustrateurs américains académiques comme Norman Rockwell ou J.C Leyendecker pour leur patte ahurissante, les auteurs italiens et espagnols des années 70 pour la puissance de leur trait et la beauté du noir et blanc. Mais ceux qui m’influence le plus en ce moment sont les concept artists qui oeuvrent sur les grosses productions hollywoodiennes. Sinon, je voue une vénération sans bornes à Hergé, Franquin, Alexis, Moebius, Otomo, Miyazaki, Blutch, Guarnido, Marini , Travis Charest et j’en oublie des dizaines. Mais qui n’apprécie pas ces artistes, me direz-vous ?
Si vous deviez partir pour une planète lointaine avec un minimum de bagages, qu’emmèneriez-vous pour tenir en éveil votre imaginaire ?
. Reno. Une encyclopédie universelle et exhaustive de tout ce qui a été fait sur Terre, histoire d’avoir de la matière pour deviser indéfiniment au coin du feu avec des extra terrestres que je ne manquerai pas de rencontrer.
.
Avez-vous le temps d’avoir encore d’autres projets ou la série Aquablue est vraiment trop chronophage ?
.
Reno. J’adorerai Pouvoir entamer d’autres projets, les idées ne manquent pas, mais c’est bien le seul défaut de cette reprise, c’est qu’elle me bouffe absolument tout mon temps ! Peut-être plus tard, mes enfants grandissant et mon aisance s’accentuant, je pourrai me relancer sur d’autres pistes, mais ce n’est pas à l’ordre du jour, pour l’instant toute mon énergie est porté sur cette reprise ou j’ai encore tout à faire et à prouver.
.
Pour une fin en musique, pouvez-vous nous dire quelle est votre playlist du moment?
.
Reno. Les Beatles, les Rolling Stones, David Bowie et Queen parce que je suis un inconditionnel du rock classique et que je ne m’en lasse pas, de la pop pshychédélique des sixties et du Beastie boy quand je suis mou du stylet. Enfin du plon-plon Hollywoodien pour l’ambiance générale, John Wiliams, Hanz Zimmer et Dany Elfman. Le tout avec une touche de Svinkels, TTC, Stupéflip quand j’en ai soupé du plon-plon, justement, pour mieux y revenir.
.
Propos recueillis par Eric Guillaud le 03 novembre 2013
Selon vous, en quoi l’album peut-il être complémentaire de votre documentaire?
