28 Juin

Copra de Michel Fiffe ou la réinvention baroque et inattendue des comics de super-héros

Après le très étonnant festival de ‘body horror’ qu’était Panorama, DELIRIUM reprend une nouvelle fois son bâton de pèlerin et publie pour la première fois en France LE chef d’œuvre du ‘renégat’ Michel Fiffe, son Suicide Squad à lui (les références y sont légions) avec sa vision, forcément torturée et bizarre, d’une équipe de super-héros.

Il n’est pas si étonnant que ça d’apprendre qu’en 2012 Michel Fiffe a dû auto-publier les premiers épisodes de cet OVNI. Le postulat de départ est pourtant presque classique – une équipe de super-héros foutraques employés en sous-marin par le gouvernement tombe dans un traquenard dans une mission foireuse et se retrouve bombardés ennemis publics numéro un. Mais aussi bien dans le fonds que dans la forme, rien ne l’est vraiment.

C’est surtout le trait qui secoue, d’abord : atypique, presque enfantin par moments mais avec ses choix d’angles complètement biscornus et surtout sa mise en couleur à même le papier, le résultat prend un malin plaisir à prendre le contrepied totale d’une industrie où la standardisation à marche forcée et la mise en couleur par ordinateur a fini par tout uniformiser. Fiffe, lui, a repris les choses là d’où elles étaient parties. Â sa façon, il rend ainsi hommages aux maîtres comme Steve Ditko (le papa de Spiderman en 1962) dont il retrouve le sens de l’épuré à l’extrême. Oui, le résultat risque d’en déboussoler certains mais la patte, unique, est là.

@ Delirium / Fiffe

Même traitement de cheval avec la narration ou même dans le cadrage. Il n’y a pas de règles. Fiffe peut ainsi passer sept pages à illustrer une course-poursuite endiablée sans ajouter une seule ligne de dialogue ni même un seul bruitage, tout comme il peut aussi sans vergogne ‘tuer’ l’un de ses personnages principaux quasiment sans prévenir, comme pour mieux rappeler au lecteur que c’est lui le maître du jeu. Ces ‘héros’ n’en sont d’ailleurs pas vraiment, ont des sales gueules, un passé parfois troubles, des super-pouvoirs pas tout le temps si supers et ne semblent pas comprendre qu’ils sont ballotés par le destin.

Copra de Michel Fiffe

Facile de comprendre le coup de cœur de Laurent Lerner de DELIRIUM pour l’œuvre de Michel Fiffe : dans une industrie de comics où à part quelques rares exceptions les petits nouveaux sont condamnés à trop souvent à vivre dans l’ombre des géants d’hier, Fiffe lui trace sa voie et montre qu’avec les mêmes ingrédients, une autre voie est possible. La preuve avec ces deux premiers volumes, traduits pour la première fois en français alors que la série originale, elle, est toujours en cours de publication sur le continent Nord-Américain.

Olivier Badin

Copra de Michel Fiffe, volume 1 & 2. Delirum. 24€

05 Juin

Spawn, trente ans passés au service du démon

Méga-star de la BD ‘dark fantasy’ des années 90, SPAWN fête cette année son trentième anniversaire. L’occasion de revenir là où tout a commencé avec cette parfaite mise en bouche pour les néophytes de plus de 400 pages dantesques, dans tous les sens du terme.

Extrait de la couverture © Delcourt / Todd McFarlane

Le neuvième art adore regarder dans le rétroviseur. Mais autant la BD des années 40 aux années 70 a désormais une patine indéniable et un vrai public, autant les deux décennies qui ont suivi sont encore un peu bloquées dans le triangle des Bermudes, comme si on refusait de se dire que, oui, tout cela s’est passé il y a désormais plus de trente ans… On a donc un peu oublié que le canadien Todd McFarlane et surtout son personnage fétiche SPAWN (‘rejeton’ dans la langue de Shakespeare) a régné sans partage dans la première moitié des 90’s sur le monde de la BD indé US. Un rayonnement dû aussi bien à la capacité de ce démon à bousculer les codes très politiquement correct d’alors (le ‘héros’ était à la base un salaud vérifié dont le boulot était d’assassiner pour le compte du gouvernement avant de signer un pacte avec le Diable) qu’à l’excellent sens du business de McFarlane qui, très tôt, a diversifié ses activités avec du merchandising, des jeux vidéo, des pochettes d’albums de rock/metal (Korn, Iced Earth etc.) et autres.

© Delcourt / Todd McFarlane

Bon, au final, cette insolente domination n’a pas vraiment dépassé les années 2000. Beaucoup pense d’ailleurs que sa chute a été provoquée par une très foireuse (et encore, on reste poli) première adaptation ciné en 1997. McFarlane lui-même l’a avoué à moitié et il n’a de cesse de vouloir réparer ce tort depuis. Décidé à repasser par la case ciné (il aurait un nouveau script de prêt, avec l’acteur Jamie Foxx dans le rôle-titre) il profite du trentième anniversaire de la ‘marque’ pour la relancer. D’où ce beau recueil réunissant les quinze premiers épisodes de la série. Et c’est la baffe.

Certes, il y a d’abord ce casting prestigieux, McFarlane ayant invité ses ‘copains’ Alan Moore, Neil Gaiman ou Frank Miller a scénarisé chacun un épisode. Mais surtout c’est dans la forme qu’on se rend compte à quel point SPAWN a complètement redistribué les cartes des comics de super-héros : couleurs foisonnantes, pleines pages dantesques et sens du récit grandiloquent s’autorisant de nombreuses sorties de pistes. Le style McFarlane, c’est celui de tous les superlatifs. En même temps, comment faire autrement avec une telle matière ?

© Delcourt / Todd McFarlane

Le plus frappant chez lui, c’est le décalage entre le style graphique parfois presque cartoonesque et le propos ultra-nihiliste. Entre une société pourrie jusqu’à la moelle, des méchants plus pervers les uns que les autres (le dessinateur ose même briser un tabou en mettant en scène un tueur d’enfants, clairement inspiré par le tueur-en-série John Wayne Gacy) et un gouvernement corrompue, SPAWN en devient presque beauté avec sa plastique maléfique envoûtante. Mais avant d’être revêtu de ce costume intégral, de cette longue cape rouge et de ses chaînes volantes, il était Al Simmons, super soldat qui avait accepté de faire le sale job sans trop se poser de questions. Assassiné par les siens, il a alors passé un marché de dupe avec le démon Malebolgia : son âme et la promesse de mener les troupes de l’enfer lors du prochain Armageddon, à condition de pouvoir revoir sa femme. La série commence par sa renaissance et la découverte progressive de ses pouvoirs mais aussi du prix qu’il va devoir payer…

© Delcourt / Todd McFarlane

Violent aussi bien sur le plan psychologique que graphique, voire carrément gore dans certains cas, SPAWN a imposé d’entrée un style bien à lui, encore très actuel trente ans après. Tout est acéré, criard, hypertrophié avec des personnages qui ont des ‘gueules’ comme on dit. Mieux : on se rend compte à quel point avec sa patte a priori outrancière ce petit poucet de l’édition a fini par imposer une nouvelle norme que les géants MARVEL et DC COMICS, d’abord réfractaires, vont finir par adopter, faisant prendre à leur tour à leurs séries un virage plus ‘adulte’.

SPAWN, c’est la nouvelle BD indé des 90’s, noire et ultra-réaliste, qui prend le pouvoir. Mais aussi le parfait reflet de la génération X qui l’a porté aux nues. C’est surtout l’avènement d’un auteur et d’un style XXXL très excessif qui résonne encore aujourd’hui. Â noter pour les collectionneurs que contrairement à la première réédition en intégrale de 2006, cette version contient les épisodes 9 et 10, plus une postface assez révélatrice où McFarlane a ressorti des placards les tous premiers croquis de travail du personnage, alors qu’il était encore adolescent.

Olivier Badin

Spawn – édition spéciale 30ème anniversaire, de Todd McFarlane. Delcourt. 39,95

27 Mai

Conan et Marvel, c’est fini ? Pas tout à fait…

La nouvelle est tombée : quatre ans après avoir récupéré la licence officielle de l’œuvre de Robert E. Howard et de son héros le plus célèbre Conan, Marvel va cesser de publier les adaptations des aventures du Cimmérien.

Extrait de la couverture © Marvel / Panini Comics – Collectif

La (longue) histoire d’amour entre MARVEL et Conan n’est plus. En 1970, lorsque l’éditeur historique des Quatre Fantastiques et de Spiderman décide, sous l’impulsion de son scénariste Roy Thomas, de racheter les droits d’adaptation de Conan le barbare, ce héros rustre aux milles aventures n’a plus vraiment la côte. Star des pulps – ces magazines bon marché à destination des adolescents et spécialisés dans le fantastique, l’horreur ou les thrillers – dans les années 30, la mort prématurée de son créateur Robert E. Howard, la mauvaise gestion de son héritage littéraire et le désamour progressif du public l’avait relégué depuis longtemps semble t’il au rang de vestige du passé.

Mais sous la plume de Thomas et le trait onirique du dessinateur britannique Barry Windsor Smith, il devient alors un personnage de bande dessiné fascinant. Un électron libre au sein d’un univers d’heroic fantasy plein de sorciers, de créatures malfaisantes et royaumes fracturés à l’unique but : survivre.

Lorsqu’en 1973 John ‘Big John’ Buscema (Thor, Quatre Fantastiques) prend la succession de Windsor Smith, il amène avec lui un côté plus sanglant et plus adulte. La série devient alors l’une des plus populaires de la Maison des Idées. Mais après des années de succès, la sortie de sa très réussie adaptation cinématographique (starring Arnold Schwarzenegger !) coïncide, hélas, avec le départ de Buscema en 1982. Conan peine alors à retrouver sa fougue d’avant, délaissé de plus en plus par le public.

© Marvel / Panini Comics – Collectif

En 2003, l’éditeur indépendant DARK HORSE (Sin City, Hellboy) récupère la licence et le relance complètement, notamment en travaillant avec des auteurs de la jeune génération, comme Tomas Giorello ou Cary Nord. Sauf que quinze ans plus tard, au moment de renégocier le contrat, MARVEL surprend tout le monde en revenant dans la danse et fini par ramener le barbare ‘à la maison’.

Depuis 2018, en plus de nouveaux titres réguliers, l’éditeur s’est lancé dans une campagne de réédition impressionnante, sortant tous les trimestres ou presque des intégrales (les fameux ‘omnibus’) de 800 pages ou plus des deux grandes séries qui ont fait son bonheur dans les années 70 (Conan The Barbarian et The Savage Sword Of Conan). L’annonce la semaine dernière du choix des ayants droit de cesser leur collaboration avec MARVEL afin d’éditer eux-mêmes leurs propres comics ou autres produits dérivés a donc fait l’effet d’une petite bombe.

© Marvel / Panini Comics – Collectif

Même si l’avenir du cimmérien est encore flou – une série NETFLIX serait prévue, entre autres – on n’en a malgré tout pas tout à fait fini avec lui. Primo, PANINI conserve les droits en France et devrait donc le suivre dans ses nouvelles aventures. Et secundo, il y a encore dans les cartons quelques belles sorties de prévu… Dont ce beau King-Size Conan en grand format (comme le titre l’indique), un recueil contenant six nouvelles histoires courtes indépendantes les unes des autres.

Beau clin d’œil pour les fans, la deuxième du lot Suite Et… Début a été scénarisée par Roy Thomas lui-même qui a accepté de sortir de sa semi-retraite pour l’occasion. Il en a profité pour écrire le prologue du tout premier épisode de la série Conan The Barbarian, un demi-siècle plus tard. Mais le plus joyau de cette collection est la magnifique histoire sans texte signée Esad Ribic qui ouvre le bal. Vingt planches d’une épopée sauvage, mettant en scène un jeune Conan à l’œil vif et déjà déterminé à s’en sortir coûte que coûte. En plus d’avoir intégralement réalisé seul cette prouesse technique (dessin, scénario, couleurs) magnifique, le croate réussi ici à retrouver le souffle épique et sauvage des œuvres d’Howard… Sans une seule ligne de texte lisible.

Les spéculations vont déjà bon train parmi les fans pour savoir qui accompagnera Conan dans ses nouvelles aventures. On espère juste que parmi les dessinateurs présents dans ce King-Size Roberto de la Torre (Tarzan) et Ribic seront invités au banquet pour croiser de nouveau le fer avec lui…         

Olivier Badin

King-Size Conan, collectif. Marvel/Panini Comics. 20

© Marvel / Panini Comics – Collectif

15 Mai

Space Connexion ou la culture pulps US revisitée par deux Français

Deux gars bien de chez nous, dont le scénariste du déglingos Monkey Bizness, rendent hommage à leur façon à la BD populaire fantastique des années 40 et 50 avec l’aide appuyée de quelques petits hommes verts et d’un humour corrosif…

 

Près d’un siècle après son lancement, la culture pulps fascine toujours. Les pulps ce sont ces magazines – d’abord de petites nouvelles, puis à partir des années 40, de comics – faits avec du papier bon marché et vendus limite à la sauvette pour quelques pièces, à destination avant tout de quelques nerds puis d’adolescents en manque de sensations fortes. En plus d’avoir servi de rampe de lancement à de nombreux futurs grands auteurs (Ray Bradury, HP Lovecraft, Robert E. Howard etc.), ces publications trop souvent ignorées voire moquées à leur époque ont surtout servi de laboratoire. En fait, elles ont souvent offert à ses nombreuses petites mains, souvent payées une misère, une liberté éditoriale totale, leur permettant ainsi de défricher souvent ce qui était alors considéré comme des sous-genre littéraires (roman policier, fantastique, horreur) sans aucune contrainte. Autre particularité : le format étant souvent court car plus ou moins calqué sur celui des feuilletons du début du siècle, les récits étaient souvent assez ramassés avec un rythme soutenu.

© Glénat / Eldiablo et Romain Baudy

Depuis en gros une trentaine d’années, les pulps ont droit à une réhabilitation bien méritée. Aux États-Unis, certains éditeurs se sont même spécialisés dans les rééditions plus ou moins luxueuses, comme DARK HORSE avec le catalogue EC COMICS par exemple. En France, DELIRIUM a aussi rendu à nouveau disponible des récits des magazines CREEPY, EERIE ou VAMPIRELLA. Un travail salvateur qui a ensuite poussé des auteurs contemporains a, à leur tour, tenter d’émuler ce style délicieusement rétro. Un style qui, sous couvert d’histoires horrifiques pleines de bestioles gluantes, permet quelques critiques bien senties de notre société et de ses travers nombrilistes.

Or si le scénariste Eldiablo et le dessinateur Romain Baudy s’essayent à leur tour à cet exercice plus ou moins périlleux, ils ne le font pas sur les mêmes bases. Car contrairement à l’écrasante majorité, eux n’ont pas tenté graphiquement de restaurer le style dans son jus, préférant au contraire une approche plus actuelle, mais tout en conservant l’esprit frondeur et brut.     

© Glénat / Eldiablo et Romain Baudy

Intitulé Space Connexion et réparti sur deux volumes (le premier, Darwin’s Lab est déjà disponible), cette mini-anthologie regroupe comme il se doit des histoires courtes allant de 7 à 20 planches. Leurs points communs ? L’omniprésence de races extra-terrestres… Et de la bêtise humaine ambiante. Dès qu’ils se retrouvent face à des aliens tentant de les sauver d’une pandémie mondiale (cela vous rappelle quelque chose peut-être ?), de les étudier pour mieux les comprendre ou pour les empêcher de piller une terre ancestrale, les hommes ont forcément les mauvaises réactions ou font les mauvais choix, ce qui les amène invariablement à la même impasse. Les cinq récits compilés dans ce premier tome racontent donc chacun à leur façon la même chute en quelque sorte mais avec le même humour très acide et toujours croqué de façon quasi-cartoonesque. À la fois un hommage et une tentative plutôt réussis de s’approprier cette sous-culture de l’histoire de la BD populaire du milieu des années 50 encore trop méconnue en France.

Olivier Badin

Space Connexion – 1 : Darwin’s Lab d’Eldiablo et Romain Baudy. Glénat. 15,50 €

04 Mai

Nouvelle adaptation ciné du Doctor Strange : étrange mais pas trop ?

Le réalisateur Sam Raimi est-il soluble dans le désormais tentaculaire et parfois écrasant univers MARVEL ? Aujourd’hui sort la nouvelle adaptation cinématographique des aventures du héros le plus mystique de la « Maison des Idées ». Premières impressions…

extrait de l’affiche

Non, le réalisateur culte de la trilogie Evil Dead n’est pas un débutant dans l’univers MARVEL. Au contraire, aux côtés de Bryan Singer et de son X-men, il a même contribué à lancer le mouvement des films de super-héros il y a pile-poil vingt ans avec la toute première adaptation ciné de Spider-Man. Sauf qu’après deux autres suites et pas mal de démêlés avec la production, il avait laissé le gouvernail à d’autres pour voguer vers de nouvelles aventures, sans deviner que le monstre de Frankenstein qu’il avait contribué à créer allait devenir par la suite le mammouth qu’il est devenu aujourd’hui.

Son retour dans le giron familial si l’on peut dire était donc sur le papier un excellent ‘coup’. Au moment où malgré le carton monumental de Spider-Man : No Way Home (avec plus de sept millions d’entrées rien qu’en France) on sent un public à deux doigts de la saturation, récupérer ainsi un réalisateur-auteur à la patte respectée et ayant déjà fricoté avec les super-héros a rassuré les fans.  Surtout lorsque fut annoncé que le berceau sur lequel il allait se pencher était celui de Doctor Strange.

De tous les héros MARVEL, le docteur en arts mystiques Stephen Strange a toujours été le plus psychédélique. Ancien chirurgien devenu magicien, c’est avec lui et grâce à ses nombreux voyages astraux ou dans d’autres dimensions que son co-créateur le grand Steve Ditko avait pu se lâcher complètement, jouant aussi bien avec les formes que les couleurs délirantes et novatrices à une époque (les années 60) où un certain conservatisme régnait encore pas mal dans le monde des comics. Sous la plume de Gene Colan une décennie plus tard, le personnage a ensuite surfé avec succès sur la popularité du style occulte ou horrifique suscité par des films comme L’Exorciste ou Damien La Malédiction pour devenir encore plus trippant.

Avec d’un côté l’expertise reconnue de Sam Raimi en matière de films de genre et de l’autre les possibilités désormais quasi-infinies offertes par les effets spéciaux, MARVEL est semble-t-il prêt à faire un pari, allant même pour la première fois jusqu’à promettre un film d’horreur cosmique lovecraftien. Sous-entendu : plus pour les adultes que pour les enfants. On allait voir ce que l’on allait voir !

Au final, le résultat est mitigé. Les fans des comics en auront pour leur argent et pourront repérer toutes les références laissées ci et là exprès pour eux. Ce n’est pas pour rien que le film démarre par une bataille dans les rues de New York contre Shuma-Gorath, créature tentaculaire à œil unique crée par le scénariste Steve Englehart en 1972. On rassure aussi les cinéphiles : oui, on reconnaît le style Raimi d’entrée, avec de nombreux clins d’œil (comme le cameo de son acteur fétiche Bruce Campbell) d’ailleurs un chouïa trop appuyés à l’appui. Seul lui pouvait d’ailleurs s’amuser à transformer ainsi l’un des nombreux alter-ego du Doctor Strange issue d’une dimension parallèle en zombie grimaçant au visage à moitié rongé. Ou encore ‘tuer’ avec panache et un plaisir quasi-sadique certains super-héros (non, pas de spoiler, promis !). Surtout, il le fait avec de vraies idées de cinéma dedans, avec des mouvements de caméras audacieux et décadrages subtils. Lorsque Strange et sa jeune acolyte America tombent à travers plusieurs dimensions, séquence aussi merveilleuse que cruellement courte, on touche même du doigt le merveilleux. On apprécie également que la figure désormais imposée d’un second humour parfois un peu envahissant des autres productions ait été gentiment prié de rester dans son coin sans broncher. Oui, Sam Raimi est bien là. Le problème est qu’il n’est pas tout seul.

Car ces moments, franchement assez jouissifs, doivent hélas trop souvent cohabiter avec des figures imposées qui avaient déjà un peu plombées les autres adaptations. Sans trop de surprise, malgré ses promesses, MARVEL n’a une nouvelle fois pas pu s’empêcher de fourrer son nez partout et d’imposer sa morale, érigeant par exemple la famille en parangon de vertu absolu, empêchant ainsi le film de devenir totalement l’objet déviant et transgressif qu’il aurait pu et dû être. Surtout que ce long-métrage pour une fois assez condensé (‘seulement’ deux heures) embrasse à fonds l’idée des multivers déjà abordé dans la série Wandavion et No Way Home, concept vertigineux d’un nombre infini de mondes parallèles aux différences parfois infinitésimales avec le nôtre. Quitte à parfois perdre un peu le téléspectateur.

Après, même un Sam Raimi obligé de faire des concessions et de se fondre dans un moule reste un grand réalisateur, même si moins corrosif qu’il y a trente ans. Et aux côtés de Hugh Jackman dans le rôle de Wolverine ou de Robert Downey Jr dans celui d’Iron Man, Benedict Cumberbatch est l’une des merveilles incarnations d’un personnage MARVEL, avec ce qu’il faut de classe et de flegme. Même si Doctor Strange In The Multiverse Of Madness n’est pas totalement le coup de tonnerre annoncé, de toutes les productions Marvelesques récentes, elle est l’une de celles où la personnalité à la fois de son héros et de son réalisateur ont le plus réussit à s’imposer… Mais le grand film de super-héros d’auteur dans l’univers MARVEL (Christopher Nolan a lui, déjà, coché la case DC COMICS avec The Dark Knight) reste encore à faire.

Olivier Badin

Doctor Strange In The Multiverse Of Madness de Sam Raimi. En salles depuis le mercredi 4 Mai 2022.

27 Avr

Ultraman, le super-héros intergalactique japonais de retour en BD

Avant Bioman, Ultraman a envahi dès les années 60 les petits écrans japonais, pionnier d’un genre depuis devenu très codifié, les tokusatu – abréviation des mots ‘effets spéciaux’ en japonais. À l’occasion de sa résurrection en animé, une nouvelle adaptation BD tente le grand écart entre nostalgie et nouveauté.

Il faut être né dans la seconde moitié des années 70 pour avoir connu ça : San Ku Kaï (avec son générique en partie écrit par Didier Barbelivien !), X Or, Bioman… Autant de séries japonaises aujourd’hui délicieusement kitsch et donc complètement cultes ont alors déferlé sur les écrans français au début des années 80 avec toujours plus ou moins le même postulat : un super-héros au costume bariolé parfois aidé par des extra-terrestres bienveillants, des monstres de plastiques tout méchants (‘kaijû’ en japonais) et, invariablement, un combat final au corps au corps plein de pétards au milieu d’un Tokyo de carton-pâte ou dans une carrière désaffectée…

Or ce que les petites têtes blondes ne savaient pas alors, c’est que le premier à avoir défendu la veuve et l’orphelin à coups de rayons laser piou-piou et foutu la pâtée à des gros lézards verdâtres s’appelait Ultra-Man. Création du réalisateur Eiji Tsuburaya, déjà à l’origine de Godzilla en 1954, cette série a été diffusée entre 1966 et 1967 au pays du soleil levant. Bien qu’elle ait précédé à un autre série du même auteur (Ultra Q) avec déjà plein de monstres dedans, elle fut la première à mettre en scène un héros récurrent. Allez jeter un coup d’œil sur youtube, vous y retrouverez d’ailleurs certains épisodes (dont le premier) en VF car elle a été diffusée au Canada (mais pas en France). Même si Tsuburaya est décédé en 1970, son héritage a été très bien géré et le héros a eu droit à plein de nouvelles incarnations depuis les années 60, maintenant ainsi une popularité qui n’a jamais faibli au Japon et parmi les fans de mangas.

© Marvel/Panini Comics / Kyle Higgins, Mat Groom, Francesco Manna et Espen Grundetjern

Justement, la deuxième saison d’un nouveau portage de la saga en animé sur un célèbre site de streaming américain est disponible depuis ce mois-ci. L’occasion étant trop belle, Marvel a donc décidé de mettre en branle son pendant comics en essayant de marcher sur la très fine frontière entre respect de la série d’origine et innovation. Ce premier volume en français réunissant les cinq premiers épisodes de cette série lancée aux USA en 2020 en porte d’ailleurs les marques.

Oui, on sait, l’équation ‘mec en costume’ plus ‘grosses tatanes’ plus ‘monstres en plastoc’, cela fait très cheap sur le papier. Mais c’est justement ce côté quasiment régressif qui donnait tout son charme à la série originale – ça plus le côté très 60’s à la Thunderbirds.

Or en essayant d’intellectualiser entre guillemets à tout prix le propos et de donner une explication scientifique à tout – par exemple si la Terre est envahie par des ‘kaijü’ venus d’une autre dimension, c’est qu’ils sont attirés par l’énergie négative dégagée par les êtres humains – on se retrouve avec des pages entières de dialogues un peu abscons, obligeant le novice à s’accrocher, trop même.

© Marvel/Panini Comics / Kyle Higgins, Mat Groom, Francesco Manna et Espen Grundetjern

Ce qui est un peu dommage car en recentrant l’intrigue autour d’un duo homme/femme et en ayant choisi le jeune et très dynamique Francesco Manna (Amazing Spider-Man) aux dessins, les auteurs ont réussi à moderniser en quelque sorte la série sans la dénaturer. Surtout qu’ils ont intelligemment choisi de conserver l’action au Japon et, donc, des personnages japonais. Sans compter que parmi les quelques bonus présents dans cette édition (dont une biographie de Tsuburaya), on retrouve une petite aventure en simili-noir et blanc en forme de clin d’œil à Ultra Q et dont l’action se déroule sur les quais à Paris, preuve d’une vraie volonté de ‘bien faire’. 

Ce premier volume essuie donc un peu les plâtres, avec cette obligation de ‘poser’ l’univers comme on dit, quitte à en laisser quelques-uns sur le bas-côté avec son côté rébarbatif. Mais cela reste malgré tout pour moins de vingt euros une bonne porte d’entrée sur ce héros encore trop confidentiel en France, aussi bien pour les fans de mangas que pour les amateurs de science-fiction à l’ancienne.

Olivier Badin

Ultraman de Kyle Higgins, Mat Groom, Francesco Manna et Espen Grundetjern. Marvel/Panini Comics. 18 .

08 Avr

Nexus : sauver la galaxie ou sauver son âme ?

L’éditeur Delirium continue son salvateur travail de réhabilitation de la contre-culture destroy du neuvième art. Il attaque aujourd’hui la réédition de l’intégrale des aventures de Nexus, sorte de chevalier blanc intergalactique censé sauver la veuve et l’orphelin…

Non ce n’est pas Captain Flam mais lui aussi vient du fond de la nuit et d’aussi loin que l’infini pour sauver tous les hommes. Après le nom Nexus ne vous dit rien ? C’est normal. Â moins d’un acharné au dernier degré adepte forcené de VO, il y a peu de chances que vous ayez entendu parler de cette BD indépendante de SF baroque parue initialement dans les années 80 et jusqu’à lors traduite seulement brièvement par Semic au début des années 2000 en français. Après, rien qu’avec ce petit pitch et si vous suivez un minimum ce blog (allez, avouez-le), vous deviez bien sentir que l’on tenait donc là un candidat parfait pour la-petite-mais-maousse maison d’édition Delirium, spécialisée dans l’exhumation de petites perles de BD ‘déviantes’ dont nous vantons régulièrement les mérites (Judge Dredd, Next Men, Nemesis etc.). Bingo !

© Delirium / Mike Baron & Steve Rude

Dans cette édition, comme d’habitude avec cet éditeur, de toute beauté avec sa couverture cartonnée auquel on a adjoint un petit ‘volume 1’ (sous-entendu…), on navigue donc en plein space-opera quasi-pop et en même temps, bizarrement empreint d’une certaine mélancolie. Ces 400 pages reprennent la parution chronologiquement de la série, qui a d’abord débuté en noir et blanc avant de passer, rapidement, en couleurs.

Refugié sur sa lune d’Ylum, Horatio Hellpop (ce nom !) alias le Nexus est une sorte de shérif interstellaire traquant les criminels et les assassins. Sauf qu’il est torturé par ses rêves, des visions en fait manipulées par la race extra-terrestre à l’origine de ses pouvoirs afin de l’obliger à exécuter leurs basses œuvres à son insu. Et il doit plus ou moins gérer la société cosmopolite de Ylum, conglomérat bigarré de sorte de sans papier de l’espace qui ont tous échoué ici par défaut après avoir été sauvés.

© Delirium / Mike Baron & Steve Rude

Bien qu’elle soit américaine, cette série dont la première publication remonte à 1981 a finalement plus de points communs avec le genre de héros subversifs que l’on pouvait trouver, par exemple, chez les anglais de 2000 AD, éditeur de Judge Dredd et Nemesis que l’on retrouve d’ailleurs, comme par hasard, aussi chez Delirium. En plus de son esthétique très pop et réaliste assez éloigné des canons établis par, mettons, Marvel, le ton y est plus adulte et en même temps traversé par de soudains moments d’humour absurde.

Si l’on devait faire une comparaison de circonstance, on pourrait dire que le résultat est plus proche de Star Trek que de Star Wars, l’emphase étant plus mise sur l’humain que sur les scènes d’action à gogo. En même temps, on y retrouve aussi un peu de cet esprit ‘cyberpunk’ typique des années 80, ce qui fait de Nexus un OVNI, de la SF drôlement déglingos et en même temps plus profond qu’il n’y paraît. Une vraie (re)découverte !

Olivier Badin

Nexus Omnibus – Volume 1 de Mike Baron &Steve Rude. Delirium. 39 euros      

22 Mar

Spider-Man : six décennies à tisser sa toile

Et oui, soixante ans, ça se fête ! Surtout lorsqu’on est depuis peu une méga-star du cinéma et un véritable porte-étendard de la culture comics auprès du grand public. Â l’occasion de l’anniversaire de SPIDER-MAN, dix histoires sont donc rééditées dans la même collection à prix d’ami…

En juin prochain, cela fera soixante ans que SPIDER-MAN est pour la première fois apparu dans une publication MARVEL – dans le numéro 15 du magazine Amazing Fantasy pour être précis, au cas où vous tombez sur cette question Trivial Pursuit. De tous les héros de la Maison des Idées, il en fut pendant longtemps l’une des plus grosses stars incontestées, avec Les Quatre Fantastiques. Le coup de génie de ses créateurs, l’inratable Stan Lee et le dessinateur fantasque Steve Ditko, avait été d’en avoir fait un adolescent lambda, voire carrément nerd à ses débuts, alternant combats contre super-méchants sur les toits de New York City et problèmes existentiels, comme tout ado qu’il se soit. Pour le jeune lecteur, impossible de ne pas s’identifier à Peter Parker, lycéen sans le sou plus habile à affronter le Docteur Octopus qu’à parler aux jolies filles de son bahut qui lui préfèrent de toute façon le capitaine de l’équipe de foot.

© Panini Comics / Marvel

Mais depuis le début des années 2000, le tisseur a franchi un cap supplémentaire. Alors que les Quatre Fantastiques ont d’une façon inexplicable complètement raté (à trois reprises !) leur arrivée sur grand écran, depuis la sortie du Spider-Man réalisé par Sam Raimi en 2002, seuls les Avengers ont réussi à faire mieux que lui au box-office. Mieux : en dépassant cette année les 7 millions d’entrées, le dernier opus No Way Home est officiellement devenu le plus gros succès de l’histoire des films de super-héros en France, donnant à l’homme araignée un statut qui déborde désormais (très) largement le (petit) créneau des comics. Et cela se ressent dans cette collection anniversaire de dix tomes à prix cassés (6,99 euros par volume) rassemblant selon l’éditeur dix sagas (en général cinq ou six épisodes, soit environ 150 pages) « emblématiques » de sa carrière.

© Panini Comics / Marvel

Or un signe qui ne trompe pas est que sur dix tomes, deux seulement date d’avant 1986. Et aucun n’est signé Steve Ditko, pourtant à l’origine du personnage et aux manettes pendant ses quatre premières années. Non, clairement la volonté affichée ici est de s’adresser au jeune public et à ceux qui l’ont découvert par l’intermédiaire des films en mettant donc l’accent sur le ‘nouveau’ et plus moderne Spidey apparu au début des années 2000.

Cela dit, plusieurs de ces récits prouvent combien malgré son côté teenager à la base de son ADN, la série régulièrement a su s’imprégner de l’air du temps et aller plus loin. Le deuxième par exemple, au titre explicite La Mort de Gwen Stacy et paru en 1973, rappelle que la série fut l’une des premières, en plus d’abord frontalement le fléau de la toxicomanie, à ‘oser’ tuer la petite amie de son héros. Quant à Revelations, en plus d’être dessiné par John Romita Jr dont le père avait, en son temps, pris la suite de Steve Ditko, il traite du trauma du 11 Septembre 2001 dans la société américaine.

La collection permet aussi de rappeler par exemple que le bouffon Vert reste l’un de ses ennemis les plus tenaces ou que le désormais très populaire Venom (grâce au succès des deux adaptations cinés starring Tom Hardy) est, à la base, un symbiote extra-terrestre ayant initialement jeté son dévolu sur SPIDER-MAN. Elle réintroduit aussi le pour l’instant peu connu en France Miles Morales, jeune ado ayant pris la place de Peter Parker dans un univers parallèle.

Une collection donc peut-être un peu foutraque pour les fans purs et durs mais au prix défiant toute concurrence et qui permettra à certains de rattraper leur retard ou, au contraire, de creuser le psyché de ce héros fascinant qu’ils n’ont découvert que récemment.

Olivier Badin

Spider-Man, la collection anniversaire, 6,99 euros. Panini Comics/Marvel

25 Fév

Chronique BD. Le Batman de Darwyn Cooke

Le 2 Mars prochain sort The Batman, nouvelle adaptation cinématographique du héros crée en 1939 par Bob Kane et Bill Finger. Un film pour lequel le réalisateur Matt Reeves n’a pas caché avoir été très influencé par le travail de Darwyn Cooke, dessinateur dont plusieurs œuvres clefs sont aujourd’hui opportunément réédités en français.

Le personnage de BATMAN a beau avoir été adapté de multiples fois à la télévision ou cinéma, chacune de ces transpositions a réussi à imprimer un peu sa marque bien spécifique, preuve de l’élasticité mais aussi de la profondeur du mythe. Depuis 1989, le héros de Gotham a d’ailleurs eu droit à huit films sur le grand écran, dont le fameux The Dark Knight réalisé en 2008 par Christopher Nolan, plus un spin-off très réussi sous la forme de joker, énorme succès critique et commercial en 2019 porté par la prestation habitée de Joachim Phoenix.

Réalisateur du plutôt malin Cloverfield en 2006, c’est au tour du réalisateur Matt Reeves de prendre cette fois-ci en main la saga, avec cette fois Robert Pattinson – oui, l’ex-héros de la sage pour ados Twilight qui a bien réussi depuis sa reconversion dans le cinéma ‘sérieux’ – dans le rôle de Bruce Wayne (ce qui ne pourra jamais être pire que les prestations de Val Kilmer ou Ben Affleck, même si c’est un autre débat). Or Reeves s’est révélé être un sérieux Batmanophile, admettant ouvertement avoir été influencé par l’univers graphique de certaines épisodes bien précis de la série.

Batman Ego © Urban Comics/DC Black Label – Darwyn Cooke

Même s’il cite sans trop surprise Frank Miller, dont le Dark Knigth Returns en 1986 avait à lui tout seul complètement refondé le mythe, il rend aussi hommage au travail de Darwyn Cooke, dessinateur encore trop méconnu en France, hélas décédé en 2016 à 53 ans et dont certains travaux clefs ressortent donc à l’occasion de la sortie du film.

Répartis sur plusieurs volumes, le meilleur du lot est sûrement Ego, du nom de la toute première histoire réalisée par Cooke autour du chevalier noir en 2000 et qui pose les bases du ‘style’ Cooke. Le plus intéressant chez lui est qu’il a d’abord commencé comme storyboarder sur la série animée Batman, d’où ce trait très dessin animé justement et faussement enfantin. Oui faussement car ce canadien a aussi travaillé avec Frank Miller justement, auprès duquel il a acquis un goût pour des personnages noirs et des héros qui ne le sont jamais complètement, cachant souvent une fracture.

C’est d’ailleurs le thème de cette première histoire où, après avoir assisté impuissant au suicide d’un associé du Joker, Bruce Wayne se retrouve à dialoguer en quelque sorte avec son alter-ego Batman (représenté ici par une espèce de forme inquiétante et carnassière) sur ses véritables motivations. Un dialogue intérieur toujours à deux doigts de la folie et où le dessinateur n’hésite pas à maltraiter son héros, appuyé par un fin trait crayonné, malgré tout à l’ancienne malgré ses rondeurs cartoonesques.

Catwoman Le Dernier braquage © Urban Comics/DC Black Label – Darwyn Cooke

Sur Catwoman – Le Dernier Braquage, Cooke se concentre exclusivement sur le personnage de Catwoman et s’amuse à la mettre en scène dans une aventure dénuée de tout super méchants ou super pouvoirs mais baignant au contraire dans une ambiance de film noir à l’ancienne, bourrée de faux-semblants et découpée comme un bon vieux roman de Dashiell Hamett. Plus sensuel, plus léger aussi, ça marche tout aussi bien, surtout que ce fan d’architecture des années 40 et 50 (cela se voit) a un petit côté rétro parfait pour le job.

Même s’il est trop tôt pour vraiment mesurer quel impact il a eu sur un film que nous n’avons pas encore vu, une belle occasion de (re)découvrir combien Batman a et continue d’inspirer des artistes aux talents très divers au milieu desquels Darwyn Cooke méritait largement sa place.

Olivier Badin

 Ego & Le Dernier Braquage de Darwyn Cooke. Urban Comics/DC Black Label. 16 & 23€

Batman Ego © Urban Comics/DC Black Label – Darwyn Cooke

12 Fév

The Department of Truth : la vérité est vraiment ailleurs

« Quand la légende dépasse la réalité, imprimez la légende ! » Non, John Wayne ne parlait pas des fake news lorsqu’il balança cette célèbre maxime dans le western L’Homme Qui Tua Liberty Valance mais elle sonne encore plus vraie soixante ans plus tard. Et elle est au cœur de The Department Of Truth, angoissante plongée dans un monde où personne n’est vraiment qui il est censé être…

The Department Of Truth frappe d’entrée avec son style graphique très 90’s et très marqué par Dave McKean, avec ses multiples gros plans, ses patchworks de peinture et dessin et ses décadrages. Une approche visuelle d’abord assez désarmante avec ses découpages parfois baroques et désordonnés mais qui, au final, se révèle taillée sur mesure au propos. Qu’est-ce que la vérité ? La vôtre ? La mienne ? La réalité des faits ? Des croyances ? Autre chose ? Et surtout QUI détient la vérité ? Ou tout cela n’est-il qu’un prétexte pour dénoncer les complots en en inventant un autre ?

© Urban comics / Tynion IV & Simmonds

Cole Turner est un agent du FBI. Pas exactement une tête brûlée, plutôt un nerd dont le travail est de surveiller les groupes conspirationnistes pullulant sur le net. Â la sortie d’un congrès de platistes (vous savez, ces gens persuadés qu’on nous ment depuis toujours et que la Terre est plate et non pas ronde), il est recruté par une mystérieuse agence gouvernementale appelé ‘departement of truth’ (‘le département de la vérité’) censé en sous-marin combattre toutes ces contre-vérités. Mais le fait-elle vraiment ? Ou se sert-elle de ses moyens pour, justement, imposer SA vérité ? Petit détail : l’agence est a priori dirigée par… Lee Harvey Oswald. Oui, l’homme accusé d’avoir assassiné le président Kennedy et officiellement tué par Jack Ruby sous l’œil des photographes et des caméras le 23 Novembre 1963. Confus ? Ce n’est que le début.

© Urban comics / Tynion IV & Simmonds

Voici une œuvre paranoïaque et qui n’a de cesse de brouiller les pistes. Plus on progresse et plus, à l’image de ce héros qui n’en est pas vraiment un, le lecteur est obligé de mettre en doute ce qu’il croit savoir. On répond souvent aux questions par d’autres questions et le discret ‘tome 1’ rajouté au sous-titre (‘Au Bord Du Monde’) n’est pas innocent. On a là affaire aux cinq premiers épisodes et on ne fait que gratter la surface. Vous voilà prévenus. Résultat, un récit dense, très dense même, tout en faux-semblant qu’il faut accepter pour mieux se laisser complètement porté, quitte à parfois à frôler le vertige à force de noirceur et de cynisme absolu.

Au-delà d’un thriller politique, une vraie réflexion sur la manipulation des masses et sur notre société. Par contre, la réponse offerte ici ne risque pas de plaire à tout le monde.

Olivier Badin

The Department Of Truth : Au Bord Du Monde, de James Tynion IV & Martin Simmonds. Urban comics. 15,65 euros.