02 Nov

Il est l’un des dessinateurs de Spawn, rencontre avec Brian Haberlin à l’occasion de la sortie du tome 16 de la saga en France

À la base, nous voulions profiter de la dernière édition française du Comic Con qui s’est tenue à Paris fin octobre pour parler avec Brian Haberlin de son travail sur Spawn. Le tome 16 des aventures de la créature horrifique de Todd McFarlane Révélations ayant été enfin traduit en français au début de l’année, l’occasion était trop belle. Sauf que cet Américain n’est pas du genre à tenir en place deux secondes, ce qui explique aussi qu’en vingt-cinq ans de carrière dans le milieu des comics il a occupé tous les postes imaginables : scénariste, dessinateur, coloriste, producteur et on en passe.

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Donc bien qu’il parle avec plaisir du passé avec son interlocuteur (Monsieur est un professionnel, ne l’oublions pas), Brian pense, déjà, au futur. Et en deux temps trois mouvements, après avoir dégainé sa tablette et avant même qu’on ait posé la moindre question, il est déjà debout et exulte comme un gamin devant sa dernière trouvaille en montrant en avant-première sa prochaine production pour enfants qui devrait sortir en avril prochain aux États-Unis.

Une œuvre ultra-connectée qui ne se contente pas d’être simplement lue mais qui permet d’interagir avec elle et d’offrir bien plus, allant des secrets de fabrication à de véritables jeux…

En même temps, c’est cette vision, littéralement, en trois dimensions qui lui a ouvert les portes alors très fermées de ce petit milieu après plusieurs tentatives infructueuses. Pourtant, ce passionné de longue date aurait pu démarrer sa carrière dès l’âge de dix-huit ans après que le mastodonte Marvel lui ait proposé un poste de coloriste. Mais de son propre aveu, l’obligation de déménager à New-York, alors qu’il reste ancré sur la côte ouest, et « le salaire ridicule qu’ils m’ont alors proposé ont pas mal refroidi mon ardeur. J’ai préféré aller à l’université à la place pour y étudier la production et le story-boarding ».

Des études qui au milieu des années 80 lui ont permis de commencer à travailler à la télévision, « sans que jamais le virus des comics ne me lâche, jamais ». À ses heures perdues, il continue de dessiner tout en se passionnant pour l’ébauche en 3D alors naissante et se rend régulièrement à des conventions pour essayer de se vendre, sans succès.

Le déclic se produit finalement en 1993 lorsqu’un ami lui propose de partager sa table au Comic Con à San Diego. « J’ai alors décidé de faire les choses en grand ! J’avais notamment modélisé en trois dimensions une représentation de Green Lantern avec un gigantesque panneau. J’avais aussi installé des écrans télé qui diffusaient en boucle une animation aussi en 3D de Spawn en mouvement… Et là, d’un seul coup, tous les gens qui avaient jusqu’à maintenant refusé ne serait-ce que de me recevoir se sont intéressés à ce que je faisais».

À partir de là, les choses vont assez vite : il devient le coloriste que l’on s’arrache grâce à sa connaissance des nouveaux outils informatiques et crée son propre studio. Il croise assez rapidement la route de Todd McFarlane qui, impressionné par son travail sur le personnage de Witchblade, lui propose de bosser sur lui, offre qu’il refuse « plusieurs fois » avant de finalement l’accepter en 2006. En plus de devenir le rédacteur-en-chef de la série, il se charge aussi de sa colorisation avant d’en devenir le dessinateur attitré en 2008, donnant à la série une impulsion très différente, moins cartoonesque et encore plus horrifique.

© Delcourt / McFarlane, Hine, Haberlin, Van Dyke, Noora

À l’écouter, tout ceci est la faute en quelque sorte du scénariste attitré de la série David Hine, présent aussi au Comic Con et qui viendra d’ailleurs lui dire au revoir pendant notre entrevue. Il faut dire que le britannique était déjà allé assez loin : dans les épisodes réunis en France dans le tome 15 (sorti en 2017) au titre révélateur Armageddon, il proposait rien de moins que la bataille finale tant attendue entre le Bien et le Mal, aboutissant à la destruction de notre monde (tout en douceur, on vous l’a dit !) avant de le voir récréé de toutes pièces par Spawn, devenu démiurge suprême.

« David voulait aller jusqu’au bout, être extravagant pour faire mieux table rase du passé. Ce reboot (technique très en vogue dans le comics qui permet de reprendre les choses à zéro sur de nouvelles bases) nous a permis de donner naissance à une nouvelle version de Spawn, plus terre-à-terre mais aussi encore plus sombre. David lisait beaucoup de manga japonais d’horreur à ce moment-là et avait été assez marqué par leur approche plus adulte mais encore plus dérangeante».

Une influence surtout ressentie dans le premier des douze épisodes que l’on retrouve aujourd’hui dans Révélations, récit tournant d’un immeuble ‘maudit’ où ses habitants sont tous affectés d’une façon particulièrement traumatisantes pour le lecteur…

© Delcourt / McFarlane, Hine, Haberlin, Van Dyke, Noora

Haberlin quitte la série après deux années, tout simplement parce qu’il était titillé comme il l’avoue aujourd’hui d’être à nouveau « en charge de mes propres créations et pas de celles des autres », et ce même si ses relations avec McFarlane n’en n’ont pas souffert. D’ailleurs, en partant, il nous laisse un exemplaire du crossover Witchblade/Spawn qu’il a réalisé et qui vient de sortir aux Etats-Unis, tout en nous donnant rendez-vous en 2019 avec, entre autres, une adaptation visiblement très rétro-futuriste du Phare du Bout du Monde de Jules Verne. On vous avait bien dit que ce type là ne s’arrêtait jamais…

Olivier Badin

Spawn Tome 16 : Révélations, de McFarlane, Hine, Haberlin, Van Dyke et Noora. Delcourt, 27,95€

30 Oct

Providence : quand Alan Moore fait du Alan Moore et réécrit Lovecraft

Le créateur des Watchmen s’attaque à Cthulhu, les Yuggoth et tous les bestioles verdâtres et baveuses sorties de l’imagination de l’un des maîtres de la littérature fantastique de la première moitié du XXème siècle, Howard Philips Lovecraft. Et le résultat est à l’image du bonhomme : très personnel, très fouillé, parfois génial, parfois bien trop bavard mais jamais commun.

 

Alan Moore est un ogre. L’un des rares scénaristes de BD moderne ‘star’ dont tout le monde connaît au moins l’oeuvre majeure – Watchmen pour ne pas la nommer – même s’il ne l’a pas lu. Son physique d’ermite (ou d’homme des cavernes, au choix) très particulier, son égo disons gentiment quelque peu surdimensionné mais aussi et surtout son écriture ultra-dense et tortueuse lui ont donné cette image de personnage XXXL qu’il entretient savamment. D’ailleurs, histoire de ne surtout pas se méprendre sur ce pavé réunissant pour la première fois en français les douze volumes de la série Providence publiée initialement en 2010, c’est bien écrit en gros sur le revers : ‘la réinterprétation du monde Lovecraft par Alan Moore’. Même pas un mot sur le dessinateur Jacen Burrows, pratiquement relégué au rang de simple exécutant et que l’on sent d’ailleurs tout le long du récit comme presque figé, écrasé même pourrait-on dire, par son imposant patron…

© Panini Comics / Alan Moore & Jacen Burrows

Car il ne faut pas se tromper : ici, Alan Moore fait du Alan Moore. C’est-à-dire qu’il se réapproprie à sa façon l’univers de l’auteur fantastique, bien connu notamment des fans de jeux de rôles Howard Philips Lovecraft (1890-1937). Le titre fait d’ailleurs référence à la ville de naissance de Lovecraft… Ici, Moore s’est transformé en démiurge, refaçonnant le mythe de Cthulhu qui est au centre du travail de Lovecraft tout en y glissant ses obsessions personnelles, à commencer par cette idée récurrente dans son corpus que l’on n’est jamais mettre de son destin mais juste le pion de forces qui nous dépassent mais qui finissent toujours par amener là où elles veulent.

Si le tout commence presque de façon assez classique à travers la quête de Robert Black, jeune journaliste juif new-yorkais et homosexuel sur les vieilles croyances de la Nouvelle-Angleterre dans les années 20, très rapidement Moore s’amuse à déconstruire le récit comme pour mieux perdre le lecteur dans des dédales où, de toutes façons, tout est plus suggéré que montré. En ça, le scénariste est resté fidèle à l’esprit de Lovecraft, personnage d’ailleurs à part entière du récit dans sa seconde moitié !

© Panini Comics / Alan Moore & Jacen Burrows

Mais l’abondance de mots, sans parler de ses nombreuses insertions de textes pures censées être tirées du journal intime de Black et de digressions quasi-philosophiques rend le tout particulièrement ardu. Cela transforme ce que peut-être certains attendaient avant tout comme un ‘simple’ hommage (pas le genre de la maison, pourtant) en une sorte de réflexion métaphysique et très cosmique sur le monde du réel, celui des rêves et une autre dimension voisine de la nôtre attendant son heure pour dévorer notre monde. Les fans de la série TV Stranger Things apprécieront peut-être d’ailleurs la thématique mais ce côté hermétique en font un monstre exigeant qui est sûrement la marque des grandes œuvres mais qui, aussi, risque d’en laisser pas mal sur le palier de cet univers grandiloquent. Mais en même temps, n’est-ce pas le cas de tous les livres d’Alan Moore ?

Olivier Badin

Providence – L’Intégrale, Alan Moore & Jacen Burrows, Panini Comics, 36,95€

24 Sep

Spawn – Dark Ages : le monstre de Todd McFarlane s’exporte au Moyen Âge

Alors que l’on parle d’une nouvelle adaptation cinématographique qui devrait laver l’affront de celle (ratée) des années 90, l’univers Spawn continue de s’étendre. Ce nouveau spin-off s’étale du XIIe au XVIe siècle et est surtout l’un de ces avatars les plus échevelés. Quinze ans après sa parution originale, il a donc enfin droit à une traduction française classieuse à la hauteur de sa sauvagerie débridée…

Alors d’abord, attention : bien qu’il soit crédité (en premier qui plus est) sur la couverture, a priori, Todd McFarlane n’a pas contribué à cette variation moyenâgeuse de sa plus célèbre créature. Preuve en est qu’en 2018 le personnage de Spawn est devenu si énorme qu’il a désormais échappé à son créateur. Il faut dire que cela fait longtemps que le Canadien a pratiquement laissé tomber le dessin pour devenir un pur gestionnaire de son empire en grande partie bâti justement sur les bénéfices engrangés par sa série star dans les années 90. D’où d’ailleurs quantité de dérivés plus ou moins réussis au cours des années, tous centrés autour de la même trame : celle d’un héros au grand cœur déchu, réclamant vengeance même par delà la mort et finissant par vendre son âme au diable (Faust, es-tu là ?) pour revenir sous la forme d’un démon (le ‘Spawn’ donc) qui, invariablement, finit par découvrir que sa destinée n’est pas totalement entre ses mains…

Enfin traduite en français en deux volumes (le premier était sorti l’année dernière), la série de vingt-huit épisodes parue sur le continent nord-américain entre 1999 et 2001, Spawn – Dark Ages représente en quelque sorte l’apothéose absolue de tous ces à-côtés, en concentrant à la fois toutes les qualités mais aussi tous les défauts.

@ Delcourt / collectif

Alors on l’a souvent dit : Todd McFarlane est un peu le Michael Bay (ou le Luc Besson, histoire de faire plus français) de la BD ‘adulte’ américaine. Ses personnages sont souvent taillés à la serpe, les scénarios souvent assez simplistes et les ressorts dramatiques attendus, voire limite éculés, histoire de pouvoir concentrer toute son énergie sur l’adrénaline pure et la virtuosité visuelle. En ça, Dark Ages est un pur produit McFarlanien : régulièrement, le découpage grandiloquent donne lieu à des cases pleines pages (voire à des doubles !) aux couleurs flamboyantes et pleines de furie et rien n’est épargné aux lecteurs. Initialement ancré dans un XIIe siècle âpre dans une Angleterre où la vie humaine n’a finalement que peu de valeur, elle suit le retour de feu Lord Covenant, jeune noble plein d’idéaux parti faire la croisade au Moyen-Orient où il est mort brûlé et écartelé par les infidèles et ensuite recruté par l’Enfer pour mener, malgré lui, la guerre au Bien sur Terre.

Presque grotesque avec ses muscles hypertrophiés et pourtant franchement flippant avec ses cheveux longs blancs parsemés et surtout ce visage ressemblant plus à un crâne grimaçant qu’à un être humain, le Spawn est plus que jamais un personnage XXL comme McFarlane les aime. Pétri de doutes certes mais avec un fond d’humanité en lui mais avec lequel tout finit toujours dans le sang. Dans le premier tome, Liam McCormack-Sharp, qui signait aussi l’encrage, en avait sublimé la splendeur presque décadente, presque jusqu’à l’outrance. En prenant sa suite, Nat Jones dévoile un style moins personnel et sensuel mais en contrepartie très proche de celui du ‘maître’ et surtout encore plus cruel. Là où McCormack-Sharp et le scénariste Brian Holguin jouaient pas mal avec le symbolisme religieux et la morale, Jones et son compère Steve Niles se révèlent beaucoup plus cruels et sanglants, faisant du Spawn presque une victime et multipliant les combats épiques avec des monstres encore plus baveux et inhumains que lui.

@ Delcourt / collectif

Disons que si la première partie de la saga se rapprochait plus dans l’esprit de l’heroic fantasy d’un Robert E. Howard (créateur de Conan), la seconde (et dernière) se veut, elle, plus digne d’une partie de jeu vidéo de tir à la première personne. Décapitation, tortures à gogo, cannibalisme : c’est gore et assumé. De fait, on ne tient pas forcément là la meilleure porte d’entrée pour les néophytes, vu qu’on plonge de plain-pieds dans la bidoche fumante et les terres ravagées par la Peste. Les auteurs se sont avant tout amusés avec la matrice créée par McFarlane en 1992 pour la plonger dans un monde barbare et brutal où visuellement, rien n’est trop épique ni trop sanglant, quitte à relayer un peu au second plan toute notion de psychologie ou à hâter un peu trop une conclusion qui laisse sur la faim. Mais cela fait quand même deux fois trois cent cinquante pages de fureur et de combats homériques et surtout, un pur concentré de l’esprit Spawn…

Olivier Badin

Spawn – Dark Ages, collectif. Delcourt, en deux volumes. 27,95€

21 Juil

Du temps où la Guerre des Étoiles débarquait avec les croissants et le journal du matin

Quand la Guerre des Étoiles se dévorait quotidiennement dans les journaux par épisodes aussi brefs que bourrés d’action, coincés entre Snoopy et Erik le Viking…

À la fin des années 70, en France, on avait Jacques Faizant. Mais aux États-Unis, c’était plutôt Buck Rogers, Garfield, Dick Tracy et donc aussi, Star Wars. On a les icônes pop que l’on mérite non ? En même temps, dès le succès du premier volet de la saga au cinéma, Georges Lucas a énormément misé sur tous les à côtés et il ne pouvait donc pas se passer de ces véritables institutions outre-Atlantique qu’étaient les strips journaliers que l’on retrouvait dans tous les quotidiens américains. D’où la mise en route sur le marché de ces petites histoires indépendantes tronquées en mini-épisodes dès le mois de mars 1979 et dont les dix-huit premiers mois d’existence sont traduits en français et réunis pour la première fois aujourd’hui.

Censées se dérouler dans l’espace indéfini (c’est pratique) entre les films ‘La Guerre des Étoiles’ et ‘L’Empire Contre Attaque’ et présentées ici dans un format à l’italienne des plus agréables à lire, ces aventures font appel à tous les héros de la saga (Luke Skywalker, la Princesse Leia, Han Solo, Chewbacca etc.), soit en groupe soit pour des apartés en solo au ton bien particulier qui donnent justement son charme à l’exercice.

© Delcourt – Russ Manning

Car le format avait de nombreuses contraintes, et surtout celle de son découpage impitoyable : une bande (trois, quatre cases maximum) par jour, avec une pleine page (parfois en couleur) le week-end seulement. Dans ces conditions, difficile voire impossible d’apporter des nuances ou d’aborder des questions plus, disons, métaphysiques (d’où par exemple l’absence étonnante de la notion de ‘Force’) car il faut à tout prix maintenir l’attention du lecteur. En résulte un rythme très particulier car complètement hystérique et où chaque page se doit d’avoir soit sa poursuite de vaisseaux spatiaux, soit sa bataille à coups de pistolets laser (voire, si possible, les deux en même temps !).

© Delcourt – Russ Manning

Assez loin donc de la réappropriation des mythes universels que furent les films, ‘Star Wars’ devient donc ici une sorte de série B survitaminée où les méchants sont très méchants (Dark Vador fait quelques apparitions bien sûr) et les gentils très gentils. C’est donc assez naïf, très pop et ancré dans son époque (on est bien dans la toute fin des années 70) tout en profitant de la patte du dessinateur vétéran Russ Manning, responsable de la série ‘Tarzan’ dans la seconde moitié des années 60. Et ce n’est même pas réservé qu’à ceux qui croient qu’il y a longtemps, très longtemps, dans une galaxie lointaine, très lointaine… Surtout que l’ajout du chiffre ‘1’ au bout du titre laisse suggérer de futurs tomes à venir.

 Olivier Badin

Star Wars – les strips quotidiens Volume 1, Russ Manning, Delcourt, 39,95€

12 Juil

Quand Hellboy rencontre Richard Corben, ça fait des étincelles !

La dernière entrée de la désormais volumineuse bibliographie de Hellboy s’offre une guest-star de 78 ans dont les traits talentueux réussissent à transformer une ‘petite’ histoire de huit planches en réflexion sur la destinée…

Il y a plusieurs entrées dans l’univers Hellboy. Dont celle-ci, plus axée sur son ‘travail’ au sein du B.P.R.D. (le Bureau de Recherches et de Défense sur le Paranormal en français). Des aventures en général situées entre la fin de la deuxième guerre Mondiale – date à laquelle il a été adopté – et la période actuelle et plus particulièrement dans les années 50. Bon, dans l’absolu, on vous l’accorde, cela ne change pas grand-chose dans les faits : son créateur Mike Mignola est toujours à la manœuvre et signe encore les couvertures (pour attirer le chaland) et ce rejeton né de l’union d’un démon et d’une femme en est toujours le héros principal. Mais tout l’intérêt de ce troisième volume de la série ‘Hellboy & B.P.R.D.’ (à ne pas confondre ni avec les séries ‘Hellboy’ et ‘B.P.R.D.’ tout court attention !) tient en fait en ces huit dernières pages.

Pourtant, les deux premières histoires de ce volume qui en contient trois ne déméritent pas, loin de là. Surtout la première et la plus longue, signée par le dessinateur Stephen Green, avec ses nombreux clins d’œil au film ‘The Thing’ de John Carpenter sur lequel il s’est amusé avec Mignola à greffer des nazis jusqu’en-boutistes (souvenez-vous, nous sommes en 1954 !). Mais le meilleur est pour la fin.

© Delcourt / Mignola, Roberson, Corben, Green, Reynolds, Churilla et Stewart

Après, peut-être ne sommes-nous pas foncièrement objectifs. Et encore, on reconnaît que le scénario de ce court épisode ‘Le Miroir’ est des plus simpliste et tient sur un timbre-poste. Oui, sauf que c’est le dernier grand prix d’Angoulême qui tient le crayon… Certes, Richard Corben, ancien collaborateur de ‘Metal Hurlant’, n’en est pas à sa première parade d’amour avec Hellboy. Et celle-ci est donc très courte et presque contemplative, le rejeton de l’Enfer se ‘contentant’ de se faire molester par des démons. Mais plus que jamais son trait sombre et mélancolique, cette faculté d’évocation et surtout cette ‘patte’ si particulière où l’on a impression de presque sentir les effluves de pourriture qui semblent sommeiller sous ses chacun de ses personnages donnent au tout une touche presque diaboliquement désespérée qui fait toute la différence.

Olivier Badin

Hellboy & B.P.R.D. 1954, par Mignola, Roberson, Corben, Green, Reynolds, Churilla et Stewart, Delcourt, 15,95 euros

© Delcourt / Mignola, Roberson, Corben, Green, Reynolds, Churilla et Stewart

18 Juin

Batman Metal : l’homme chauve-souris chamboule sa propre réalité avec une saga épique en trois parties qui sera présentée à la prochaine édition du festival Hellfest, près de Nantes

Alors, attention, on se permet de prévenir tout de suite les chevelus porteurs de t-shirts avec des logos indéchiffrables et des zombies en ruts dessus : ce Batman a autant à voir avec la musique ‘metal’ que notre gouvernement actuel avec les théories marxistes. Par contre, pas mal d’idoles en prennent pour leur grade, en premier lieu un Batman lui-même, ici presque dépassé par les évènements.

Bon, allez, rendons à César ce qui lui appartient et à Iron Maiden sa couronne : tout cela a un tout petit peu quand même rapport avec la musique du même nom vu que l’éditeur français a donc choisi de présenter ce premier tome cette année au Hellfest et que l’un des dessinateurs de la saga, l’américain Greg Capullo, en plus d’être un fan déclaré du genre, a réalisé plusieurs pochettes pour certains poids lourds du genre, style Iced Earth (Something Wicked This Way Come), Disturbed (Ten Thousand Fists) ou Korn (Follow the Leader). Mais sinon, le ‘metal’ du titre est en fait très premier degré : on parle bien d’un metal, la matière donc, qui serait une sorte de porte sur une quantité d’univers parallèles infinie (et encore, ça c’est la version simple) et sur laquelle l’homme masqué a décidé d’enquêter, quitte à sans le savoir enclencher un processus qui chamboulera aussi bien sa réalité que celle de l’écurie DC COMICS dans son intégralité. Parce qu’attention, derrière ça, il y a un autre Batman, maléfique celui-ci car dans sa propre dimension il a fait le choix de servir le Mal et non pas le Bien. Un double diabolique dont une sorte de société secrète surveille l’arrivée depuis des millénaires, dans le plus grand secret. Ah et puis on découvre que le Joker (que l’on croyait mort… Mais vous suivez ou quoi ?) a été séquestré dans la Batcave dans un but bien précis. Et ça, ce n’est que le premier chapitre parce qu’après, cela se complique encore plus. Si !

© Urban Comics / collectif

On le sait depuis quelques années, les comics US adorent (un peu trop) jouer avec les reboots, ces artifices scénaristiques qui permettent de réécrire complètement tel ou tel univers. Et lorsque par dessus vous rajoutez une seconde couche avec les multivers – un ensemble complexe de réalités parallèles – comme ici, cela donne un joyeux bordel. À la manœuvre, on reconnaît la patte du scénariste Scott Snyder qui a toujours aimé brouiller la frontière existant entre le bien et le mal, quitte à parfois un peu perdre son lecteur. Surtout que ce premier tome (sur trois prévus) est assez bicéphale, avec une première partie très (trop) cérébrale multipliant les entrées et les différents points de vue laissant place à une seconde consacrée à la défense de Gotham et beaucoup plus orientée baston. Partie où ironiquement, Batman brille… Par son absence. Contrairement aux seconds rôles qui, ici, prennent la lumière d’une façon parfois étonnante, comme Harley Quinn de Suicide Squad, savoureusement joueuse et taquine.

© Urban Comics / collectif

Alors autant le dire de suite, mieux vaut bien maîtriser la ‘cosmologie’ de l’ami des chauves-souris parce que c’est bourré de références tous azimuts, allant de sa famille au sens large du terme à ses ennemis et plus. Ami néophyte, passe donc de suite ton chemin ! C’est dense de chez dense et ne fait aucune économie dans la démesure. Par contre, sur le plan strictement graphique même si Capullo est loin d’être seul au stylo ici (on retiendra notamment le super boulot d’Andy Kubert), c’est un feu d’artifice, avec un sens du découpage vraiment étonnant capable d’alterner planches monumentales et cadrages ultra- serrés et des méchants qui suintent de partout, surtout ceux qui sont des sortes d’alter-ego maléfiques des héros qui les combattent.

© Urban Comics / collectif

À ce stade-là, on a un peu de mal à savoir où tout cela va nous mener et l’indigestion n’est jamais loin. Mais Batman Metal tient au moins son pari de nous embarquer dans une véritable saga bien épique qui ose remettre pas mal de choses et qui ne fait pas de quartier du tout. Et visuellement, c’est une sacrée baffe !

Olivier Badin

Batman Metal, collectif, Urban Comics/DC, 19€

L’info en + Batman au Hellfest. Du 22 au 24 juin, les éditions Urban Comics vous donnent rendez-vous sur leur stand au HellCity Square de 10 à 22h pour vous présenter Batman Metal et vous faire gagner des cadeaux…

 

29 Avr

Thanos : une espèce de gros malabar violet aussi méchant que cosmique

Mais qui est vraiment Thanos, le nouveau ‘super-méchant’ de la galaxie Marvel que la dernière adaptation cinématographique sur nos écrans depuis le 25 Avril dernier met en valeur ? Une anthologie tombe à point nommé pour permettre au grand public de (re)découvrir ce vilain bien plus cosmique qu’il n’y paraît…

Par rapport à ses (nombreux) collègues on va dire, Thanos est un petit jeune. Contrairement à Magnéto, Fatalis, au Docteur Octopus et autre Bouffon Vert, ce fils maléfique du roi de la race supérieure peuplant la planète Titan est apparu assez tardivement. En 1968 pour être précis dans une aventure d’Iron Man que l’on retrouve d’ailleurs ici en introduction. Et à la base, c’est un méchant de plus on va dire, un être surpuissant, surméchant et suréquipé dont le but ultime est de tuer tout le monde et d’asservir la galaxie. La base en somme.

© Marvel/Panini

Mais dès sa troisième apparition quatre ans plus tard dans la série ‘Warlock’, et sous l’impulsion de son créateur Jim Starlin, cet espèce de gros malabar violet prend une tournure nettement plus cosmique. En lui donnant les pleins pouvoirs, grâce au gant de l’infini qui est au centre du film, ce féru de science-fiction qu’est Sterlin en fait l’équivalent d’un dieu omnipotent capable s’il le veut de faire disparaître, littéralement, la moitié de la population de la galaxie (cf l’épisode ‘Pierres Qui Roulent’).

Or plutôt que d’user et d’abuser de ce pouvoir, à la manière d’un Galactus il prend de la hauteur. Loin, très loin des basses contingences matérialistes de nous pauvres être humains de chair et de sang et très souvent aux côtés de celle qu’il dit servir, la Mort silhouette encapuchonnée et silencieuse se présentant parfois sous la forme d’un jolie jeune femme. Sa stature est telle que sa présence est même parfois juste suggérée, dixit le très beau mais aussi très désespéré épisode ‘Cendres et Défaites’.

© Marvel/Panini

Autant dire que cette approche quasi-mystique a permis aux nombreux artistes de Marvel qui s’en sont emparés de s’en donner à cœur joie et de planer très haut au-dessus de l’habituel archétypes du gros-méchant-qui-à-la-fin-perd-tout, et en premier lieu Starlin dont par exemple l’histoire ‘L’Effet Infini’ (où il signe à la fois les dessins et le scénario) sortie en 1972 est un petit chef d’œuvre pop et psychédélique, avec son double maléfique du héros Warlock à la coupe afro argentée, son découpage parfois épique et ses couleurs chatoyantes qui rappellent plus l’univers de ‘Metal Hurlant’ que celui des ‘4 Fantastiques’… Même si Starlin n’a jamais caché son admiration pour le maitre Jack Kirby dont la série ‘New Gods’ fait clairement ici figure de modèle.

Alors pour le film, on vous laisse seul juge. Mais pour ce qui est de sa place dans la cosmologie Marvel, Thanos est définitivement à part et cette anthologie de 320 pages mérite vraiment le détour !

Olivier BADIN

 Je suis Thanos, Marvel/Panini, 20 euros

26 Avr

Redneck : le mythe du vampire à la sauce texane, sans rédemption au bout

Le vampire, grande figure tellurique de la littérature d’horreur. Mais ici pas de cape rouge, ni de costard étriqué et encore moins d’accent d’Europe de l’est ou de château lugubre perché en haut d’une falaise, juste une famille dysfonctionnelle qui a réussi à trouver une relative tranquillité sur le point d’être réduite en poussière par ce foutu instinct quasi-animal qui les torture…

L’un de ces personnages secondaires a beau être, sur le plan physique, ouvertement calqué sur l’acteur allemand Max Schreck qui incarnait Nosferatu dans le film du même nom de Friedrich Murnau en 1922, ‘Redneck’ (‘plouc’ en argot US) suit clairement le chemin tracé par des séries télé populaires comme ‘True Blood’ ou ‘American Vampire’ en dépoussiérant le personnage sublimé par Bram Stoker au XIXème siècle. Donc ici pas de cape rouge, ni de costard étriqué et encore moins d’accent d’Europe de l’est ou de château lugubre perché en haut d’une falaise… Les dits vampires sont ici en fait une famille réfugiée dans un trou paumé au Texas depuis des siècles et qui a tout fait pour se faire oublier, quitte à accepter de se nourrir que du sang des vaches qu’ils élèvent leurs terres et dont ils vendent ensuite le cadavre aux abattoirs. Sauf qu’une querelle ancestrale les opposants depuis presque 200 ans à une autre famille et une sorte d’atavisme fatale vont finir par faire basculer tout ce fragile équilibre…

© Delcourt / Donny Cates, Lisandro Estherren et Dee Cunniffe

Difficile de se tromper pourtant à la vue de cette couverture qui tranche dans le vif : on retrouve ici un bon paquet d’hémoglobine, pas mal de violence et ce, avec une totale absence de morale. Et le trait assez noir et vif de l’argentin Lisandro Estherren, tout dans le mouvement, ne fait rien pour renverser la tendance… Tout cela sent la bouse de vache, une certaine misère sociale et des corps soit gras, soit tout secs et noueux, avec cet arrière-goût de cul-terreux qui tord les boyaux. Alors bien sûr, on parle bien de vampires ici. Sauf qu’au final, la thématique est presque tout autre, quasi-sociologique : en gros, sommes-nous, oui ou non, condamnés à faire ce que l’on attend de nous ou plus exactement de notre caste ? Peut-on échapper à sa condition ? (vous avez deux heures) En fait, le héros principal Bartlett n’a pas choisi d’être un vampire, il a juste eu le malheur de tomber sur une bande qui l’a transformé en l’un des leurs en 1836 alors qu’il venait de déserter le fort Alamo. Mais qu’il le veuille ou non, c’est désormais devenu sa famille et il fait tout pour les protéger. Même si parfois, le mal vient de l’intérieur…

Ce premier tome reprenant les six premiers numéros de cette série sortie aux USA l’année dernière ne laisse pas beaucoup de place à l’espoir et semble suggérer une éternelle fuite, avec son lot régulier de cadavres, un peu comme si le mythe du vampire rencontrait celui du Juif Errant. Reste à voir si le tome 2 réussit à apporter quelques réponses et, surtout, à battre le nombre de macchabés déjà fort élevé de son grand frère…

Olivier Badin

Redneck, de Donny Cates, Lisandro Estherren et Dee Cunniffe, Delcourt, 15,95 euros

© Delcourt / Donny Cates, Lisandro Estherren et Dee Cunniffe

25 Mar

Thor : le massacreur de dieux ou lorsque le héros de Marvel lutte pour sa survie et celle des siens avec une fougue wagnérienne

Déjà, rien que le titre et la couverture – où le fils d’Odin paraît menaçant avec du sang jusqu’aux genoux – tranchent avec les standards Marvel. Alors certes, cela fait déjà une bonne décennie (ou deux) que l’auguste super écurie à super-héros a décidé de prendre un ton plus ‘adulte’. Mais les sagas (c’est-à-dire une longue histoire qui s’est étalée initialement sur onze numéros) de l’acabit de ce Massacreur de Dieux impressionnant se comptent sur les doigts d’une main. Mais là, la barre est haute.

Ce qui fait la différence ici, c’est la présence de non pas un mais bien deux auteurs à part entière – on laisse de côté les quelques planches dessinées ici par Jackson Guice largement un créneau en dessous. Soit le scénariste Jason Aaron et surtout le dessinateur croate Esad Ribic : d’une cruauté et en même d’un mysticisme flamboyant, l’histoire inventée par le premier n’aurait jamais eu la même résonnance si elle n’avait pas été illustrée avec autant de maestria. Clairement influencé par les images viriles et épiques du grand Frank Frazetta mais aussi par Philippe Druillet, le trait étonnement fluide et en même temps puissant de Ribic, ainsi que son encrage très contrasté, est assez unique, successivement plein de couleurs puis très clair-obscur, où le mal sous-jacent est plus suggéré que montré.

Sous sa plume, les Dieux sont tour-à-tour suprêmes et pathétiquement humains, fragiles mêmes alors que le grand méchant Gorr apparaît aussi torturé qu’effrayant. C’est souvent dramatique mais jamais trop théâtral ou larmoyant. Alors certes, il y a du sang, beaucoup même, mais jamais la violence n’y paraît vraiment glorieuse, chaque personnage apparaissant presque comme désespéré car se battant pour une cause, semble t’il, perdue d’avance.

© Marvel/Panini Comics -Jason Aaron, Esad Ribic et Jackson Guice

Il faut dire que le point de départ est osé : Thor découvre qu’un être mystérieux décime avec sadisme à travers les galaxies et les âges les dieux de tous les mondes existants et part à sa recherche, bien décidé à l’empêcher de tuer tous les siens. Par la magie des paradoxes temporels, sa route finit par croiser celle de deux autres de ces incarnations, une première juvénile et bouillonnante, et l’autre vieille et usée mais bien décidée à relever une dernière fois la tête. C’est qu’il n’en faut pas moins de trois Thor pour oser affronter le massacreur de dieux…

© Marvel/Panini Comics -Jason Aaron, Esad Ribic et Jackson Guice

Au-delà du fait que le héros passe les trois quarts du volume à voir les autres se faire massacrer sans pouvoir rien faire et à douter de lui-même, la saga pose en filigrane une question quasi-philosophique : que serait un monde sans dieux, où l’homme serait seul responsable a priori de ses actes ? Ribic et Aaron ont leur réponse mais évitent d’être trop manichéens et n’oublient jamais de savamment doser l’intensité dramatique. Pour obtenir au final l’un des plus belles et meilleures sagas Marvel de ces dernières années, cruelle et terriblement belle qui révèle au passage un dessinateur qui avait déjà fait ses preuves, certes, sur Secret Wars ou Loki (avec, déjà, le dieu du tonnerre) mais qui gagne ici pour de bon ses galons de futur mégastar du genre.

Olivier Badin

Thor : le massacreur de dieux, de Jason Aaron, Esad Ribic et Jackson Guice, Marvel/Panini Comics, 30 euros

08 Mar

Black Panther : lorsque Marvel se mettait aux coupes afro et au mysticisme africain

81wumDGGAzLAh, la magie d’Hollywood ! Entre deux méga blockbusters des ‘Avengers’, la désormais industrie bien installée des adaptations cinématographiques de comics tente de plus en plus de lancer des franchises peut-être moins connues du grand public, le carton monumental du premier ‘Deadpool’ prouvant qu’on avait pas forcément besoin d’être un héros connu de tous de 7 à 77 ans pour faire tourner la machine à billets verts à plein régime… Reste que le cas de la ‘Panthère Noire’ est assez atypique car on tient là le premier super-héros issu et à destination de la communauté afro-américaine. Et tant pis si on tient là la xième création du célèbre duo Stan Lee et Jack Kirby, deux blancs de chez blancs. 

Le contexte, ici, fait tout, la panthère noire (‘black panther’ en VO) étant apparue pour la première fois dans un épisode des ‘Quatre Fantastiques’ en 1966, un an après l’assassinat de Malcom X et alors que la lutte pour les droits civiques bat son plein aux Etats-Unis. Surtout, le prince T’Challa n’a pas ‘que’ la peau de couleur noire, il est avant tout non pas américain mais africain et à la tête d’une nation fictive (le Wakanda) dont les ressources minières lui assurent l’indépendance financière et lui permettent d’avoir accès à une technologie dont il se sert pour défendre de nobles causes. Même si initialement il n’est qu’un personnage secondaire un peu hautain et caricatural apparaissant surtout comme un simple faire-valoir, l’obtention de sa propre série en 1972 lui a alors permis de prendre une épaisseur insoupçonné.

© Marvel/Panin

© Marvel/Panini – Don McGregor, Rich Buckler, Billy Graham

Reste qu’en France, malgré le travail des éditions Lug (que tout bon quadra fan de comics connaît forcément), la panthère noire reste un héros très peu connu du public français, surtout avec un sous-texte social qui lui parle peu. Du moins, jusqu’à la sortie du film du même nom qui après seulement deux semaines d’exploitation dans l’hexagone dépassait déjà les deux millions d’entrées !

Ce volume de la série ‘intégrale’ de chez MARVEL France tombe donc à point nommé pour retourner aux sources de son histoire, surtout qu’il contient en plus de treize des dix-huit premiers épisodes la toute première aventure dans laquelle il est apparu dans la série des ‘Quatre Fantastiques’ et sous la houlette de Mister Jack Kirby himself s’il-vous-plaît !

Il permet aussi de rétablir une certaine vérité car passé cette première aventure un peu amidonnée (c’était les 60’s, rappelez-vous, quand les méchants étaient très méchants et les gentils très gentils), on se rend compte qu’une fois à la tête de sa propre série et sous la plume d’abord de Rich Buckler puis de Billy Graham, la panthère noire s’est détaché assez rapidement des standards établis des comics pour s’aventurer sur des terrains nettement plus proches de ceux de la fantasy pure où se bousculent extra-terrestres mais aussi animaux préhistoriques et autres légendes païennes. Et puis T’Challa est ‘black and proud’ comme le chantait James Brown avec coupes afro à gogo, rouflaquettes, bijoux et attitude grande gueule, reflet des bouillonnante 70’s et des héros d’alors de la communauté afro-américaine, tels ‘Shaft’. Une vraie redécouverte !

Olivier Badin

Black Panther, 1966-1975, Don McGregor, Rich Buckler, Billy Graham. Marvel/Panini Comics, 32€

© Marvel/Panini

© Marvel/Panini – Don McGregor, Rich Buckler, Billy Graham