Les comics d’Olivier Badin

Tiens d’ailleurs, peut-on être une actrice à succès ET une scénariste de bande dessinée reconnue ? La star de Game Of Thrones, Emilia Clarke, se prête au jeu avec Mother Of Madness – ou MOM – vraie-fausse histoire de super-héroïne…

Vous l’avez connue en blonde platine sous le nom de Daenerys Targaryen durant les huit années où la série télé Game Of Thrones a écrabouillé la concurrence, faisant d’Emilia Clarke une star. Mais depuis l’arrêt de la série en 2019, cette jeune actrice britannique de 36 ans essaye de rebondir dans le petit écran, notamment en apparaissant dans la série Marvel Secret Invasion aux côtés de Samuel L. Jackson, mais aussi sur un terrain où on l’attendait moins : scénariste de BD.

Attention, elle n’est pas la seule ici aux commandes, étant épaulée par la coscénariste Marguerite Bennett. Autre malentendu qu’il faut tout de suite dissiper : malgré le fait que le tout soit estampillé telle quelle, ceci n’est pas une ‘simple’ aventure mettant en scène une super-héroïne découvrant l’étendue de ses pouvoirs et affrontant au passage des super-méchants.

Non, on tient ici plutôt un récit d’apprentissage où le personnage central, une jeune mère célibataire de 29 ans vivant en 2049 du nom de Maya, essaye de découvrir qui elle est vraiment tout en jonglant avec son rôle de maman, de femme active et de super-héroïne. Ce qu’elle fait régulièrement en brisant le quatrième mur, s’adressant ainsi aux lecteurs et lectrices à qui elle semble demander de l’aide plus qu’autre chose, tout en remontant le cours de sa vie.

On apprend tout d’elle, qu’elle aime manger thaï, qu’elle devrait faire plus de sport mais aussi qu’elle est bien trop anxieuse et surtout paumée. On ne retrouve d’ailleurs que des femmes dans l’équipe créative de ce récit et ce n’est pas pour rien que les pouvoirs de Maya se déchainent particulièrement lors de ce chamboulement hormonal tous les mois que sont les menstruations.

Même si par moment un chouia trop bavard, MOM réussit pourtant son pari, le portrait ‘pop’ sensible d’une jeune femme cherchant sa place dans une société où tous les repères sont chamboulés. Le tout dans un style graphique très coloré mais aussi bourré de références pas si cachées que cela allant de Deadpool… à certains peintres de la Renaissance.

Olivier Badin

Mother Of Madness, d’Emilia Clarke, Marguerite Bennett & Leila Liz. Panini. 24,86€ 

Avant de devenir une véritable icône, le personnage de Vampirella fut avant tout une opération de la dernière chance. Un véritable pari qui vit éclore non seulement un personnage devenu culte depuis mais qui permit aussi de redéfinir le style fantastique/horreur, tout en donnant une chance à de jeunes futurs grands de la bande dessinée européenne.

En 1969, les éditions Warren sont au bords de la banqueroute : même si ces deux magazines phares, Creepy puis Eerie, sont devenus des références de la bande dessinée fantastique et d’horreur, plusieurs mauvais investissements et d’énormes pertes d’argent menacent leur existence même. Dans une sorte de baroud d’honneur, ses patrons décident de lancer un troisième magazine autour d’un personnage féminin très largement inspiré par le Barbarella de Roger Vadim starring Jane Fonda mais aussi ancré dans la culture horrifique maison, espérant ainsi ratisser large. C’est le succès, immédiat.

Or si sa plastique est en partie définie par le célèbre illustrateur Frank Frazetta qui se chargera de sa première couverture, ce vampire originaire de la planète Drakulon ne fait pas que combiner glamour et horreur. En fait, passé des débuts assez hésitants, sous l’impulsion du scénariste Casey Brennan, le personnage gagne en épaisseur et se voit affubler de partenaires comme Adam Van Helsing, lointain descendant du plus célèbre adversaire de Dracula, ou Pendagon, magicien fantoche. Mieux, tout en emmenant d’un monde onirique à un autre tout en affrontant régulièrement Dracula mais aussi le dieu du chaos, Vampirella s’humanise progressivement, essayant par exemple petit-à-petit de se débarrasser de son insatiable envie de se nourrir des sangs des autres.

Huit ans après un premier volume compilant les meilleurs récits des quinze premiers numéros du magazine, cette nouvelle anthologie s’attaque aux numéros 16 à 23. Elle permet surtout d’apprécier cette subtile transformation et surtout l’incroyable apport de toute une génération de alors jeunes dessinateurs venus d’Europe. Car oui, plus qu’un hommage à Vampirella elle-même, ce nouveau tome est limite plus un travail de réhabilitation de tout une génération d’artistes, dans le sens premier du terme, dont le style racé et fin s’apprête à redéfinir le style de la bande dessinée d’horreur pour les vingt ans à venir.

Tous ont en commun d’être originaires de Barcelone et d’avoir fait leurs premières armes dans la bande dessinée romantique au sein du même éditeur. Lorsqu’endettés jusqu’au cou les propriétaires de Warren Publishing se voient obligé de laisser passer partir une grande partie des auteurs qui avaient fait le succès de Creepy et Eerie, un agent américain leur propose de laisser leur chance à ses jeunes européens, tous aussi créatifs mais beaucoup moins gourmands sur le plan financier. Avec leur trait tout en finesse et en atmosphère, à la fois envoûtant et même temps sensible mais jamais vulgaire et serti dans un noir et blanc de toute beauté, cette bande de jeunes loups révolutionnent alors le genre, au point qu’assez rapidement le géant Marvel se lancera à son tour dans le BD d’horreur en tentant de les copier ouvertement.

Parmi eux, José ‘Pepe’ González devient très rapidement LE dessinateur attitré de Vampirella et il se taille ici logiquement une large part du gâteau. Sauf que le magazine du même nom ne contenait pas que des histoires centrées autour de son héroïne attitrée mais aussi, suivant la même idée que Les Contes de la Crypte par exemple ou justement Creepy, des sortes de contes sanglants dont elle n’est que la narratrice. Ce ‘à-côtés’ sont les vrais trésors de cette anthologie et là où l’inventivité et la folie créatrice sont les plus ébouriffantes. Si par exemple le trop rare Félix Mas revisite d’une façon macabre mais saisissante la légende la sirène avec Cilia, plus loin le trop peu connu Esteban Maroto déconstruit complètement les règles narratrices avec un Épisode Du Tombeau Des Dieux quasi-expérimental mais dont la façon de fragmenter le récit et les planches n’ont sûrement pas échappé à certains des dessinateurs emblématiques du magazine français culte Métal Hurlant.   

Ajoutez à cela le standard de reproduction élevé (une habitude chez Deliirum), l’inclusion de plusieurs couvertures d’époque ainsi que des planches originales plus une très fouillée introduction bourrée d’anecdotes et vous vous retrouvez avec une petite pépite de la BD d’horreur 70’s, rééditée avec le respect et le soin qu’elle mérite. Indispensable !

Olivier Badin

Anthologie Vampirella – Volume 2. Collectif. Delirium. 29€

L’épée Excalibur, la convoitise de Luther Pendragon, Merlin l’enchanteur, tout ça… Vous croyiez tout savoir de la légende des chevaliers de la Table Ronde ? En voici une réinvention maline pleine de sang et de fureur.

La série Game Of Thrones est passée par là et cela se sent… Bien conscient qu’il tacle là un sujet déjà mille fois couvert en littérature, cinéma ou BD, ce premier tome (sur quatre prévus) s’attaque à un monument. Mais il a aussi décidé de marquer sa différence de deux façons : d’abord en resituant l’histoire au Vème siècle après notre ère plutôt qu’au Moyen-Âge. Et ensuite en recentrant le propos sur l’aspect politique et les manigances des uns et des autres. La saga devient donc ici bien plus qu’un conte initiatique : c’est désormais avant tout une quête de pouvoir où la religion, la guerre et surtout les hommes ne sont que pour servir les intérêts d’une poignée d’intrigants.

Forcément, les lettres de noblesse acquises tout récemment par le Jérôme Le Gris avec la série Lord Gravestone et surtout l’adaptation de la saga d’heroic fantasy de Michael Moorcock Hawkmoon aident beaucoup. Le scénariste aime avancer ses pions patiemment et jouer avec des personnages ne dévoilant pas leur jeu tout de suite et cela se sent. Tout comme les dessins, signés ici conjointement par Benoît Dellac et Paolo Martinello et clairement nourris à l’imagerie heroic fantasy moderne, c’est-à-dire pas aussi policée et bien sanglante que sa version de base.   

Alors même si des noms comme Arthur ou Merlin ont beau nous être familiers, cette relecture quasi-complète de la montée au pouvoir du premier et du côté manipulateur de son mentor permet de complètement redécouvrir les légendes de la Table Ronde, devenues ici bien plus sauvages et cruelles. En mettant de côté le côté chevaleresque au profit de décors désolés, de héros pas si blancs que ça et de créatures magiques semblant sortir tout droit du Seigneur Des Anneaux, le ton est ici nettement plus tragique et violent. Reste juste à savoir si ces auteurs réussiront à tenir la tension sous-adjacente sur la durée, surtout que l’accent est ici mis sur les dialogues et les magouilles plus que sur l’action pure. Mais ça fait envie !

Olivier Badin

Pendragon – volume 1 : l’épée perdue de Jérôme Le Gris, Benoît Dellac et Paolo Martinello. Glénat

Retour nostalgique et mélancolique sur la vie chaotique de cette grande figure du cinéma d’horreur des années 30 aux côtés de Boris Karloff, devenue star sur le tard après être devenu, pour l’éternité, la toute première incarnation à l’écran du conte Dracula.

Le procédé est connu : un curieux, qui n’a une vision parcellaire de la vérité, remonte le temps à coups de flashbacks raconté par un témoin privilégié. Ici, il se nomme Danny Sheffield, fan vouant un véritable culte à l’acteur de cinéma Bela Lugosi, au point de lui avoir amassé de nombreuses reliques de sa carrière dans ce qu’il appelle « le sanctuaire ».

Sauf que nous sommes en 1956 et lorsqu’il vient toquer à la porte de la maison de son idole, celui-ci n’est plus que l’ombre de lui-même. En plus d’être rongé par son addiction à la morphine et malade, le vieil homme de 73 ans n’a plus un sou après avoir tout dilapidé et s’être retrouvé blacklisté par les studios d’Hollywood. Studios dont il a pourtant fait la fortune avec la sortie de Dracula en 1931.

Sur place, il croise la route de sa quatrième (sur cinq) épouse Lillian Arch et cette dernière accepte de lui raconter alors la vie mouvementée de son ex-mari. Vedette du théâtre à Budapest en 1911, participant actif de l’éphémère république des conseils de Hongrie après la Première Guerre Mondiale, il doit quitter son pays natal à cause de la répression brutale qui suit, d’abord pour Vienne, puis Berlin avant de s‘installer enfin aux Etats-Unis en 1922. Là, après des années de galère, il finit par triompher dans le rôle de Dracula à Broadway. La chute n’en sera que plus rude…

La collection 9 ½ n’en est pas à son coup d’essai. Ce nouveau volume, après des tomes consacrés à Lino Ventura ou Alfred Hitchcock, joue donc la carte du classicisme à fonds, aussi dans la forme (biographie à rebords articulée autour d’évènements clefs) que dans le fonds avec son noir et blanc classieux. Or justement, ce choix graphique avec ses clairs obscurs très marqués et ses ombres portés est en parfaite résonnance avec le cinéma d’horreur auquel il rend un vibrant hommage.

Lugosi n’y est ni un salaud suprême, ni un héros. ‘Juste’ un homme à femmes, artiste au talent au moins aussi énorme que son égo, incapable de domestiquer ses humeurs… quitte à se torpiller lui-même. Mais jamais aussi magnétique que sur scène ou face à la caméra, quelques très belles planches le sublimant dans son élément naturel. C’est cette personnalité ambivalente que raconte ce beau récit mélancolique, reflet d’un monde du spectacle aussi fascinant qu’impitoyable.

Olivier Badin

Bela Lugosi de Philippe Thirault et Marion Mousse. Glénat. 22,50€

Comme pas mal d’autres sous-genres de la science-fiction, le space opera (‘l’opéra spatial’ en bon français) est apparu dans les années 40 lors de l’époque bénie des pulps, ces magazines bon marché thématiques vendus pour trois francs six sous qui ont enflammé toute une (jeune) génération de lecteurs et qui ont, aussi, permis à de nombreux futurs grands auteurs de se lancer. L’intérêt ici est que dans la forme, on a avant tout affaire à un récit d’aventure pure, avec des méchants et des gentils, des coups de théâtre, des lieux exotiques…

En fait, dans le fonds, pas mal de ces histoires ne se différencient pas tant que ça que d’un bon vieux Bob Morane. Sauf qu’au de lieu de se passer à Macao ou, mettons, la Cordillère des Andes, elles se déroulent plutôt entre Jupiter et Alpha du Centaure, avec des personnages ne se déplaçant non pas en avion ou en bateau mais en vaisseau spatial. Le tout dans un contexte socio-politique et offrant une vraie critique sociétale où il est souvent facile de remplacer telle ou telle espèce d’extra-terrestres par, par exemple, des réfugiés politiques ou des migrants…

Avec ses décors grandioses, son trio de héros bigarré et son trait très organique où l’influence des grands maîtres du genre des années 70/80 (Moebius en tête), Space Relics Hunters assume pleinement cette affiliation, mais sans jouer la carte de la nostalgie non plus. D’une certaine façon, ses deux auteurs, déjà remarqués pour la saga en trois tomes On Mars, prouvent ici que le space-opera n’est pas si figé que ça et sait s’inscrire dans une certaine modernité.

L’univers est dominé depuis 200 ans par le Grand Quatuor, quatre dieux ayant imposé une religion unique. En conséquence, les nombreuses reliques des anciens cultes sont devenues des objets rares convoités par des collectionneurs fortunés, obligés de faire appel à des contrebandiers. Trois d’entre eux sont mandatés par un client mystérieux de dénicher à tout prix sur une planète inhospitalière un objet sacré d’un culte méconnu contre une très forte somme d’argent. Bien sûr, rien ne se passe comme prévu et surtout, ce trésor suscite bien plus de convoitise que prévu…

Il y a du souffle, de l’action mais aussi de l’action et surtout pas mal d’humain dans cette belle virée intergalactique, portée par un beau travail sur les couleurs. Un vrai bon petit space-opera dont on a, déjà, envie de revoir les protagonistes.

L’info en + : Les planches originales sont actuellement visibles à la Galerie Maghen 36 rue du Louvre à Paris jusqu’au 16 septembre

Olivier Badin

Space Relic Hunters de Sylvain Runberg et Grun. Daniel Maghen éditions. 29,95€

Soyons honnêtes : le personnage d’Aquaman n’a jamais été très populaire en France. Ne passez pourtant pas à côté d’Andromeda, variante horrifique sublimée par son approche visuelle hors norme et psychédélique.

Toujours dans l’ombre de Namor, l’autre roi des mers mais sous la bannière MARVEL lui, Aquaman fait partie de ces héros mal aimés ou mal compris. Les auteurs de cette nouvelle aventure semble l’avoir eux-mêmes intégré, car après une brève apparition dans l’introduction, il n’arrive qu’assez tardivement dans l’histoire et reste globalement assez mutique, presque en retrait. Non en fait, la vraie star ici, c’est la mer. Mais la mer comme un grand ensemble noir, méconnue, froid et surtout dangereux.

Après avoir détecté un objet volant non identifié s’abimer au milieu de nulle part dans l’océan pacifique avant de couler par 4,000 mètres de fonds dans un lieu nommé le point Némo, on découvre une structure extra-terrestre déjà sur place. Un groupe de scientifiques est donc envoyé incognito à bords d’un sous-marin expérimental pour découvrir ce qu’il en est et prendre contact avec de potentiels êtres venus d’ailleurs. Mais non seulement ce vaisseau tombé du ciel suscite pas mal de convoitise mais il a en plus réveillé quelque chose, tapie au fin fonds des océans. Une chose qui réveille ce qu’il y a de pire en nous et qui pousse Aquaman a revenir de son exil…

Assez classique dans la forme avec ses petits relents de X-Files et d’Independance Day, c’est vraiment dans la forme qu’Andromeda prend ses distances avec les comics standards. Graphiquement parlant, le dessinateur Christian Ward réalise ici une véritable performance. Son sens du décadrage et surtout ses couleurs très vives éclatent les pupilles et contrebalancent parfaitement son style sinon assez froid et calculé, donnant à chaque scène une ambiance propre.

En plus, comme le scénariste d’origine indienne Ram V mélange flashbacks, réflexions intérieures et hallucinations, on parcourt une bonne partie de l’histoire comme on parcourait un rêve. Ce qui ne fait d’ailleurs que renforcer la paranoïa ambiante, chaque personnage finissant d’ailleurs par douter de l’autre… Ou de lui-même. On parle bien d’horreur mais d’horreur psychologique, une horreur plus suggérée que montrée, ce qui la rend encore plus effrayante.

Andromeda est donc un choc visuel au service d’un récit complexe, mais aussi la réinvention très réussie d’un personnage a priori mineur de la galaxie DC Comics, confronté ici à une véritable menace cosmique qui parlera sûrement aussi aux amateurs de HP Lovecraft.

Olivier Badin

Aquaman – Andromeda de Christian Ward & Ram V. Urban Comics/DC Comics. 17 €

Comme tout le monde, le scénariste Alan Moore a dû faire ses armes. Et quelle meilleure école que celle de 2000 AD, le magazine renégat anglais servant déjà de refuge au très cinglant Judge Dredd ? Toutes les premières histoires du maître sont désormais réunies dans un seul et même volume bien acide.

Avant la starification, avant le look de gourou mystique et avant Watchmen ou V Pour Vendetta, Alan Moore était un artiste complet, assurant à la fois les dessins mais aussi le scénario. Ce qui ne l’a pas empêché de galérer à imposer sa vision déjà assez complexe, même si très référencée. L’introduction très documentée qui ouvre cette rétrospective (une habitude chez Delirium) permet d’ailleurs de découvrir certains de ses dessins touffus publiés dans la seconde moitié des années 70 dans d’obscurs fanzines. On y découvre un Alan Moore dessinateur aimant beaucoup Métal Hurlant et ses plus célèbres auteurs comme Philippe Druillet. Le trait y est encore un peu hésitant mais les obsessions, qui bientôt formeront la clef de voûte de son œuvre, sont déjà bien présentes.

Victime en quelque sorte de son côté méticuleux, l’auteur s’est rendu compte à un moment que dessiner ne serait-ce qu’une seule planche lui demandait un temps fou et qu’il était beaucoup plus productif à l’écriture, d’où son choix à partir de 1980 de s’y consacrer. Cela tombe bien, le porte-étendard de la contre-culture BD outre-Manche, et avatar (assumé) de Métal Hurlant, 2000 AD est alors perpétuellement à la recherche de nouveaux talents. Il a même sa propre rubrique permettant de les ‘tester’, Future Shocks. Sur le modèle de La Quatrième Dimension par exemple, un Monsieur loyal extra-terrestre malicieux du nom de Tharg y présente des histoires en format court, au ton en général cinglant et ironique et à la conclusion bien souvent amère.

Les fans le savent, ce genre d’exercice est un grand classique de la bande-dessinée d’horreur et de science-fiction et on pourrait aussi citer Les Contes De La Crypte par exemple. Or Moore connaît ses classiques sur le bout des doigts, il en maîtrise déjà largement la grammaire et il se sent donc ici instantanément à l’aise. Autre gros avantage, il est assisté aux dessins par de jeunes aux dents longues (dont Ian Gibson et Alan Davis, futurs piliers du magazine) heureux de pouvoir profiter de l’espace de liberté offert par 2000 AD pour se lâcher complètement.

Les 32 récits signés par Alan Moore sous la bannière Future Shocks  et parus entre 1980 et 1983 constituent la moitié de ce recueil. Plutôt malins, ils prouvent combien il a excellé d’entrée à dépeindre cette petite galerie de monstres gesticulant dans des décors pourtant a priori galvaudés dans le genre comme la fin du monde, la dystopie ou encore la conquête intergalactique. Non seulement son humour (très) féroce colle parfaitement à l’état d’esprit frondeur du magazine mais en plus, il se permet, déjà, de rajouter ce petit surplus de méchanceté, jamais gratuite mais féroce. Pointent d’ailleurs déjà certaines des thématiques qu’ils explorent aujourd’hui, comme la vanité creuse de ses contemporains, le consumérisme à tout prix ou la bêtise crasse des militaires.

Mais au-delà de ce petit jeu de massacre assez réussi, la seconde partie du recueil va plus loin. Notamment en offrant une paire d’histoires centrées autour des paradoxes temporels. On y voit ce alors tout juste trentenaire commencer à s’affranchir de certaines règles de narration pour mieux tracer son propre sillon, avec une sorte de mélange frappant de poésie et de paranoïa parfaitement illustrée par l’histoire L’Homme Réversible où, comme son titre l’indique, le narrateur (re)vit sa vie à l’envers, jusqu’à retourner au néant dont il est issu.

Profitant d’une superbe restauration classieuse, nous avons là la preuve supplémentaire que 2000 AD recélait dans les années 80 un incroyable vivier de talent mais aussi qu’Alan Moore a su très tôt faire ce petit pas de côté qui le différencie de ses contemporains. Un petit bijou de SF corrosif !

Olivier Badin

Future Shocks : L’Intégrale d’Alan Moore et collectif. Delirium. 26 €

Comment réagir en tant que famille face à l’adversité et la maladie dans un monde sur le point d’imploser ? Après Little Monsters, le scénariste Jeff Lemire questionne une nouvelle fois les liens familiaux avec, en fond de toile, la société américaine de la fin des années 90 et sa dépression ambiante.

Un ‘family tree’, cela veut dire avant tout dans la langue de Shakespeare ‘arbre généalogique’. Cette expression fait donc référence à nos racines : d’où venons-nous ? Qui sont nos ancêtres ? Que nous ont-ils transmis comme patrimoine génétique et autre ? Une thématique nous amenant très rapidement à la notion de famille, de nos liens nous unissant à nos parents mais aussi, plus globalement, à la société dans laquelle tout cela s’inscrit.

Le rapport avec ce graphic novel, signé par le très côté Jeff Lemire, dont on vous vantait déjà les mérites il n’y a pas si longtemps avec le premier tome 1 glaçant de la série Little Monsters aux thèmes assez proches ? Et bien même si ce récit nerveux est avant tout un road trip ancré dans une ambiance post-apocalyptique et violente, c’est avant tout l’histoire d’une famille. Complètement dysfonctionnelle, monoparentale, avec un père ayant officiellement déserté les siens, un adolescent en échec scolaire et un grand-père réapparaissant soudainement… Mais une famille quand même.

Tous se retrouvent lorsque la petite dernière, Megan se retrouve soudainement atteinte par une maladie la transformant peu à peu en arbre. Difficile de comprendre ce qui lui arrive, surtout lorsque les membres d’une secte obscure, armés jusqu’aux dents, tentent à tout prix de lui faire peau, persuadés qu’elle provoquera la fin du monde si elle survit. Une seule solution : courir, toujours et encore. Et essayer de tendre l’oreille pour entendre le père de la petite fille, mort mais pas vraiment car vivant par l’intermédiaire d’une main-arbre greffée sur le bras du grand-père…

Bien sûr, présenté comme ça, cela ressemble un peu à un grand n’importe quoi. Mais en fait non, malgré de nombreux allers-retours chronologiques dans sa seconde partie et des hommes-arbres ressemblant beaucoup trop aux Ents, ces créatures sorties de l’imagination de Tolkien pour Le Seigneur Des Anneaux. Au bout du récit, il n’est pas évident non plus de savoir exactement quel est le propos de Lemire : thriller paranoïaque ? Fable écologique ? Récit sur la famille ? Un peu de tout ça en fait. Mais aussi complexes soient-ils, les rapports humains sont forts ici. Et les personnages ont chacun le temps de se développer à leur rythme, d’affronter leurs propres démons et donc de devenir attachants, notamment grâce au trait fin de Phil Hester mais aussi à l’écriture de Lemire. 

Olivier Badin

Family Tree de Jeff Lemire et Phil Hester. Panini Graphic Novels. 32€

La culture snuff movies, la violence gratuite et la fascination qu’elle exerce sur nous. Voici le terrain très sensible sur lequel Ed Piskor (Hip Hop Family Tree) ose s’aventurer ici, nous tendant un miroir révélant nos pires pensées, non sans une certaine complaisance…

Jusqu’au malaise. En plus de repousser un peu plus les limites de ce qui est acceptable ou pas dans le cadre d’une bande dessinée, l’auteur américain Ed Piskor joue avec son lecteur, tel le réalisateur controversé Gaspard Noé avec son très perturbant film Irréversible : est-ce que tu vas oser ? Oui, vas-tu aller jusqu’au bout de ce récit éprouvant ? Allez, avoue, n’es-tu pas un peu voyeur, et donc complice ? Ces questions-là, Red Room les balance d’une façon faussement négligente sur la table avant de nous regarder d’un air sardonique, nous défiant d’apporter une réponse…

Ces ‘chambres rouges’ évoquées dans le titre, ce sont ces salons virtuels, accessibles uniquement sur le dark web où, après avoir payé en bitcoins, des internautes peuvent assister et même commander à distance des séances de tortures… Voire plus. Mythe urbain ? Théâtre grand guignol où des acteurs ou actrices prétendent souffrir pour soutirer le maximum d‘argent à leurs cliente en recherche de sensations fortes ? Ou véritable zone de non-droit où les pires pulsions peuvent être assouvies ?

Dans le récit de Piskor, ces antichambres de l’enfer existent bien. Pire, elles sont montées comme de véritables entreprises où seuls comptent les profits et comment satisfaire une clientèle de plus en plus exigeante. Dans ce premier volume (sur trois prévus), on retrouve quatre histoires indépendantes et en même temps interconnectées. Quatre récits très perturbants, pas uniquement à cause de ce style graphique en noir et blanc rappelant autant Vince Locke que, bizarrement, une sorte de Robert Crumb réactualisé et où la violence est plus que stylisée, même sublimée.

Non, le plus dur est d’accepter (ou pas) de s’en prendre plein la tronche. Pas étonnant d’ailleurs que le tout ait été carrément interdit dans plusieurs pays. Piskor ne prend aucune pincette, met la triple dose de gore et martyrise à l’extrême le corps humain, tout en plaçant ci et là des références à la culture horrifique avant tout cinématographique (Hostel, Saw, Massacre à la tronçonneuse etc.) comme si il lui fallait prouver malgré tout quelque chose. Autre élément du malaise : aucun personnage à sauver, ou presque. Tous sont vils, détestables, haineux et en même temps minables, jusqu’à la nausée.

Red Room – Le Réseau Antisocial est une véritable épreuve. Et en même temps, rarement bande dessinée n’est allée aussi loin dans l’exploration de la partie la plus bestiale et la plus haineuse de la psyché humain. Mais il est dur, voire impossible, de savoir ici où s’arrête la dénonciation et où commence la complaisance gratuite et malsaine. Mais c’est probablement le but… Il faut donc choisir son camp lecteur, te voilà prévenu. Et attention à ne pas glisser sur les hectolitres de sang et les viscères qui tapissent le sol.

Olivier Badin

Red Room – Le Réseau Antisocial d’Ed Piskor. Delcourt. 23,95 €