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Un homme tranquille, tranquille et heureux. C’est l’impression que m’a tout de suite donné Éric Henninot lors de notre rencontre au festival international de science fiction de Nantes. Un homme tranquille et heureux d’avoir enfin réalisé après deux ans et demi d’un travail parfois difficile le premier volet d’une adaptation qui lui tient particulièrement à cœur, celle de La Horde du Contrevent, un roman d’Alain Damasio…

Tranquille et heureux de découvrir également l’exposition consacrée à son travail et présentée dans le grand hall impersonnel de la cité des congrès à Nantes. Des reproductions de planches à la fois en noir et blanc et en couleurs, un écran vidéo, le tout dans un décor sobre mais efficace pour qui veut s’immerger dans l’univers de cette aventure profondément venteuse parue aux éditions Delcourt il y a quelques jours.

Né à Rouen d’une famille originaire du Nord, Éric Henninot vit aujourd’hui à Marseille où souffle le mistral, ce qui n’a rien d’anecdotique comme nous le comprendrons dans cette interview. Il nous a parlé du vent mais aussi et bien sûr du roman, de son travail d’adaptation, de la science fiction, des Utopiales et de plein d’autres petites choses…

Éric, peux-tu nous présenter l’histoire en quelques mots ?

Éric Henninot. C’est l’histoire de personnes parties à la recherche de l’origine du vent. Ces personnes vivent dans un monde où le vent souffle en permanence, il ne s’arrête jamais, il peut être calme parfois, il peut être surtout violent, voire très violent. Ces gens vivent dans ce monde sans savoir d’où le vent vient même s’il souffle toujours d’est en ouest. Alors, régulièrement, ils forment une espèce de troupe d’élite pour aller en quête de l’Extrême-Amont à la recherche de la source du vent et trouver une solution aux problèmes qui lui sont liés. En effet, les récoltes s’ensablent sans arrêt, les maisons sont sans cesse à reconstruire…

Oui, la vie dans ce monde est semble-t-il insupportable…

E.H. Insupportable, je ne sais pas, elle est difficile en tout cas. Ça fait huit siècles que ces gens cherchent la source du vent, on suit ici la 34e horde qui atteindra peut-être l’Extrême-Amont.

Au delà ce cette simple lutte contre les éléments, peut-on y voir, peut-on y lire autre chose ?

E.H. Oui, ça me semble assez évident, c’est pour moi une métaphore. Ce qu’il y a d’intéressant dans l’histoire, c’est que sous cet aspect assez simple d’une quête, et d’un trajet assez linéaire finalement puisque la Harode se dirige toujours contre le vent, il se trouve que pour chaque personnage, l’Extrême-Amont est une quête intime. C’est ce qui m’a plu dans le roman d’Alain Damasio, avec aussi la cohérence de l’univers et son extrême richesse où tout est bâti autour du mouvement, de la turbulence, du vortex.

Comment as-tu découvert le roman ?

E.H. C’est un ami qui me l’a fait lire en me disant que c’était extraordinaire. Et de fait…

As-tu tout de suite imaginé l’adapter en BD ?

E.H. Non non, ça a pris du temps. Déjà, il a fallu que je digère le bouquin parce qu’il m’a accompagné un bon moment, et puis, petit à petit, je me suis dit que je pourrai en faire une BD. j’ai des amis qui connaissent Alain Damasio, il est marseillais comme moi, il n’est donc pas inaccessible, il gravite dans mon entourage, alors peu à peu l’idée a germé. Et puis, je me voyais bien passer du temps avec cette horde.

Et en l’occurrence, tu vas passer beaucoup de temps en compagnie de cette horde…

E.H. Oui, j’ai déjà passé un bon moment avec elle et je vais en passer encore pas mal, 5 ou 6 albums, à raison d’un an, d’un an et demi par album…

Oui, le calcul est vite fait. Combien de temps a été nécessaire pour la réalisation de ce premier volet ?

E.H. C’est difficile à quantifier parce que j’ai commencé le projet en étant sur autre chose. Il faut dire aussi que c’est la première fois que j’écris le scénario, il a donc fallu apprendre les mécanismes de l’écriture, écrire un premier scripte, le réécrire, travailler, retravailler, pendant 2 ans, 2 ans et demi. L’album fait 74 pages, presque un album et demi. il fallait mettre en place l’univers et entamer l’histoire, créer le design, les univers graphiques, ça prend beaucoup de temps. Mais tout ça, je n’aurai plus à la faire pour les prochains tomes.

Est ce que le résultat aujourd’hui correspond à ce que tu avais en tête au moment de ta première lecture du roman ?

E.H. Non pas du tout. Dans la préface, Alain Damasio écrit que si on lui avait posé la question de savoir à quoi ressemble Golgoth, à quoi ressemble Caracole, il aurait répondu que non. Et moi c’est pareil, j’ai des idées, des sensations, j’ai eu des impressions diffuses en lisant le roman, mais les images apparaissent vraiment en dessinant. Ça se modèle comme une pâte. C’est pour ça qu’il faut faire et refaire des croquis, parfois aller dans de mauvaises directions, se tromper, revenir en arrière, essayer d’autres choses, avant de se dire, oui là c’est bon c’est Golgoth. Il n’y a pas cette forme d’évidence même si je travaille dans l’image. Quand je lis des romans, je n’ai jamais en tête une image du personnage principal, je me fais une idée mais c’est très vague, juste une impression.

Adapter, c’est forcément trahir, suggère Alain Damasio dans la préface de l’album. As-tu le sentiment d’avoir suffisamment trahi le roman ?

E.H. C’est vraiment difficile à dire. Au départ, quand j’ai voulu adapter le roman, je me suis vraiment posé la question de savoir si il y avait un intérêt à faire l’adaptation d’un bouquin que je trouve formidable. Que pouvais-je y apporter de plus ? Et puis, est-ce que faire une adaptation, c’est ajouter quelque chose. Finalement, c’est en la réalisant que je me suis rendu compte de ce qu’était une adaptation. Il se trouve que  le roman  d’Alain est une polyphonie, chaque personnage de la horde parle et le lecteur recompose l’histoire comme un kaléidoscope. Dans la bande dessinée, j’ai fait un choix différent qui s’est fait assez spontanément, i’ai choisi Sov (le scribe, ndlr) comme personnage principal. J’ai dû redramatiser toute l’histoire autour de lui, c’est un personnage qui me touche à titre personnel. Bien sûr, j’ai continué de raconter l’histoire de la horde mais avec Sov en fil rouge.

Le fait de passer d’une polyphonie à un récit plus classique avec un personnage principal, un héros, change déjà considérablement les choses. Alain Damasio dit que je suis trop fidèle au roman mais bon, moi j’ai l’impression d’avoir modifié pas mal de choses déjà. J’essaie de créer une oeuvre en tant que telle même si  je pars d’un roman. La Horde du Contrevent est mon premier scénario. C’est la première fois que j’ai l’impression de signer une oeuvre personnelle. Ça peut paraître paradoxal mais à force de travailler sur l’adaptation, je me suis en quelques sortes approprié l’histoire.

Justement, à qui pensais-tu t’adresser en adaptant ce livre : aux fans d’Alain Damasio, aux fans de SF, aux fans de BD ? As-tu l’impression d’avoir rendu l’oeuvre plus accessible ?

E.H. C’était une volonté, J’avais fait une première version qui était un peu abrupte comme le roman. Dans les premiers retours, tous les gens qui ne connaissaient pas le roman m’ont dit qu’ils ne comprenaient rien. Moi, je voulais que ce soit comme dans le roman, qu’on soit aveuglé, qu’on se prenne du vent dans la figure, du sable, qu’on ne comprenne rien. Mais ce qui fonctionne en roman ne fonctionne pas toujours en BD où on est plus proche du théâtre et du cinéma. La dramaturgie y est extrêmement importante. De fait, cette simplification est simplement dû à un changement de média, non à l’éventuelle complexité du roman.

J’imagine que le travail fut énorme (univers complexe, écriture particulière, personnages).  Qu’est-ce qui a été le plus compliqué pour toi ?

E.H. Deux choses, d’abord ce moment des premiers retours. Ça faisait plus d’un an que je bossais, 30 pages étaient encrées, et tout d’un coup on me dit que c’est trop compliqué. Là je me suis effondré, j’ai pense arrêté. Un vrai moment d’abattement. C’est dur de se dire qu’il faut recommencer. Mais je l’ai fait… et je suis content de l’avoir fait. L’adaptation doit finalement beaucoup à ces retours. La deuxième chose très difficile, c’est la création des design, une longue recherche. Je ne devais pas me planter parce que j’allais dessiner les personnages pendant quelques années.

Et le vent ? Traiter le vent en BD n’est pas vraiment simple. Comment t-y es-tu pris ?

E.H. C’est venu assez facilement, peut-être par le fait d’habiter à Marseille, d’être régulièrement confronté à cette présence du vent, du mistral. Et puis, il y a eu un déclic assez important un jour de grand vent , je me suis aperçu que non seulement le vent nous obligeait à nous incliner, qu’il tirait un peu sur les vêtements, mais qu’en plus il avait une présence sonore incroyable. Je me suis dit que le son était fondamental et qu’il fallait le rendre. Je n’avais pas le son mais j’avais les onomatopées, elles sont très présentes dans l’album.

Que représente les Utopiales pour toi ? Et la SF d’une façon générale ?

E.H. C’est la première fois que je viens aux Utopiales, je découvre, je trouve ça passionnant. Ensuite, la SF, est un univers dans lequel j’ai toujours navigué, même si je ne suis pas un grand spécialiste. Il y a plein de livres, plein d’auteurs que je n’ai pas lus mais c’est une littérature qui me fascine et me passionne.

Quel livre, quel auteur, a pu te décider à faire ce métier ?

E.H. Bonne question mais il m’est impossible de donner un nom précis, la BD a toujours été très présente dans mon enfance, mon adolescence. J’ai toujours voulu dessiner.

À quoi va ressembler l’avenir proche d’Éric Henninot ?

E.H. Je vais replonger dans l’écriture, le deuxième volet est en cours…

Propos recueillis par Eric Guillaud le 4 novembre 2017 aux Utopiales.

La horde du Contrevent (tome 1), Éditions Delcourt. 16,95€

Retrouvez la chronique de l’album ici

Ludovic Debeurme appartient à cette catégorie d’auteurs qui explorent les voies parfois inconnues ou peu empruntées du médium bande dessinée, quelque part entre autobiographie et onirisme, réalisme et fantastique. Mes Ailes d’homme, Lucille, Le grand autre, Renée, Un Père vertueux et aujourd’hui Epiphania, son oeuvre est complexe, ambitieuse, exigeante, à la fois intimiste et universelle, en tout cas reconnaissable entre mille. La marque d’un grand du neuvième art !

Et comme pour tous les grands, il s’avère aventureux de proposer à Ludovic Debeurme une interview pile au moment de la sortie d’un de ses albums. Sans cesse en déplacement pour des séances de dédicaces ou des vernissages, L’auteur a tout de même pris le temps nécessaire pour répondre à cette interview. Prenez à votre tour le temps de la lire et de trouver les clefs pour comprendre son univers, découvrir sa vision de la BD, de la musique, de l’art en général, des hommes, de la vie plus largement. C’est passionnant…

Un journaliste du Monde disait de ton album Le Grand autre qu’il intimidait « par son épaisseur, plus de 300 pages, son titre, qui reprend un concept lacanien, mais surtout par son univers dérangeant… ». Tu as conscience de faire une bande dessinée pas forcément très accessible ?

Ludovic Debeurme. Il y a chez moi depuis toujours une double injonction : cacher et révéler.

Quelque chose de mon passé, de mon enfance, de mon histoire personnelle a dû être si puissamment problématique et envahissante que je passe beaucoup d’énergie à la cacher à mes propres yeux en l’habillant de manteaux aux allures plus respectables.

L’art est un habillage qui n’est pas toujours là pour rendre plus beau, mais avant tout rendre visible ce qui – contrairement aux idées reçues – n’est pas invisible, mais si visible qu’il nous brûlerait les yeux.

Alors j’en fais une histoire cryptée. Un code avec le lecteur. Il n y a pas de clefs miracles pour ouvrir les portes de mes histoires. J’ai essayé de construire pour chacun de mes livres, une serrure aux formes multiples et mouvantes, afin que chaque lecteur puisse y trouver ce qu’il vient chercher, tant qu’il se laisse un peu prendre – volontairement – à mon piège. Si tout se passe bien, possible que le voyage déplace légèrement la conscience de celui qui en a pris le train. Je n’ai pas d’autres ambitions que ce déplacement.

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La chronique de l’album ici

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Ton nouvel album, Epiphania, met en scène des millions de fœtus qui impactent notre planète, un peu comme une pluie de météorites, s’enfoncent dans la terre où ils vont poursuivre leur gestation. Comment peut-on avoir une idée aussi surprenante ? Faut-il prendre beaucoup de psychotropes ou juste avoir un imaginaire hyperactif ?

Ludovic Debeurme. C’est souvent une telle idée, très graphique qui me vient à l’esprit et qui guide le reste. Je crois bien que ce qui est venu en premier lieu c’est l’image de ces têtes à moitié ensevelies, dont seul les yeux et le haut de la tête sortaient de terre. Un mouvement vers le haut, le monde, prêtes à l’habiter, peut-être le coloniser. À partir de cette image initiale, je cherche l’histoire qui pourrait l’entourer. Celle qui amène à cette image flash, et celle qui continue et propose le devenir de cette vision initiale.

Il faut, pour que je retienne une telle image qu’elle s’inscrive profondément en moi. Qu’elle se loge dans tous les interstices. Qu’elle épouse tout à fait ma psyché. En somme que je la reconnaisse comme étant la parfaite illustration de qui je suis à cet instant. Un être entre terre et ciel, à moitié plongé dans l’inconscient, la matrice, et l’autre moitié le regard en observation du monde.

Comment l’image arrive ? Je n’en sais rien. Souvent le matin alors que je me réveille !

La part autobiographique n’est pas négligeable dans ton œuvre, on le sait. Est-ce toujours le cas ici ?

Ludovic Debeurme. Oui et non, je n’ai pas eu, par exemple, des doutes aussi forts avant la naissance de mon enfant, contrairement à David. Je l’aimais avant qu’il apparaisse au monde ! Mais la façon dont la précarité, la fragilité de l’être qui vient de naître bouleverse David et balaie d’un coup ses moindres doutes, comme une injonction extrêmement puissante à s’occuper du nouveau-né si fragile et dépendant de son parent, c’est quelque chose que l’on vit tous à la naissance d’un enfant. Parfois l’amour est déjà là, parfois il vient avec le temps. Parfois il nous foudroie.

Je voulais par exemple rendre compte de ce sentiment qui est plus fort que toutes les lois, tous les doutes. Je sais que certains ne ressentent pas cela. Donc oui, je fais part de quelque chose de personnel mais qui a tout de même une part très universelle. Ce qui compte ici, c’est que l’enfant soit un monstre. Un hybride. Mi-homme mi-animal. L’enfant qui arrive est toujours à la fois un autre que nous, un étranger mais aussi notre semblable, notre chair.

J’ai pris cette exemple pour illustrer une part autobiographique dans le récit, mais il y en a d’autres. Je m’autorise dans les récits à me nourrir de tout ce qui rendra le récit plus juste et plus percutant. Mon histoire. Celle de mes proches. Les drames qui me hantent, les miens comme ceux du monde. Mais autour de tout cela, le ciment c’est l’imaginaire. C’est toujours lui qui a le dernier mot pour façonner dans un sens ou l’autre l’histoire.

La question de la colonisation de notre imaginaire par notre système ultra-libéral est une question centrale du livre

On dit souvent que tes livres sont marqués par la psychanalyse, les mondes oniriques, les fantasmes. Il y aussi un regard aigu sur la vie me semble-t-il.

Ludovic Debeurme. Je suis fasciné par le monde qui m’entoure, les gens en premier lieu. Leurs manières, leurs voix, leurs paroles. La façon dont ils interagissent. Leur laideur comme leur beauté. Et clairement je ne mets pas derrière les mots beau et laid, les critères habituels de notre société.

Ce qui rend beau c’est toujours l’humanité qui transparaît à travers la peau, les gestes. Il y a dans la singularité des corps, ce qu’on appelle souvent la laideur ou la disgrâce, la vraie marque de l’originalité. Qu’est-ce que ces corps en mouvement racontent sur leur intériorité, c’est cela qui me fascine. La quasi impossibilité que le corps a de mentir sur ce qu’il est en profondeur ; ça, c’est la marque d’une vraie créativité.

La norme me rend toujours extrêmement triste ; comme s’il manquait là l’humain et son désir propre, aspiré par ce que la société de consommation induit fortement de négation de l’être. On ne peut pas imaginer un être qui désirerait autre chose que ce qui lui est proposé de préfabriqué, pré-imaginé pour combler en apparence ses désirs et qui serait un bon consommateur.

La question de la colonisation de notre imaginaire par notre système ultra-libéral est une question centrale du livre. C’est l’axe qui sous-tend les trois tomes. Ces hybrides sont une proposition de revoir le corps, re-imaginer notre rapport au monde. Ils sont une apparition, une Epiphanie de ce terrain caché, notre imaginaire repoussé au loin dans notre inconscient noué, afin de laisser tant de place aux images formatées qui obscurcissent le monde. Des images qui ont toute l’apparence du libre et du beau, c’est cela qui est pervers. La publicité – nourrie des théories originelles d’un Edward Bernays – vend de ce rêve impossible, base de toutes les frustrations et du malaise contemporain. Mais en réalité, la publicité n’est plus le seul endroit contaminé par le système ultra libéral de notre bon capitalisme hégémonique, l’art lui-même souffre de ce conformisme. Toutes ces images nous hantent, prennent la place de nos désirs comme un écran enivrant. Jamais l’image ( et je mets derrière le terme image, bien d’autres choses que ce seul média ) n’a été autant protéiforme et libéré en apparence.

Mais nous, où sommes-nous derrière elle ? C’est ce « nous » que je scrute et cherche en regardant le monde, mes compatriotes humains. Car quand je le trouve, il me rassure et me redonne confiance. La folie des uns et des autres me nourrit. Car une forme de folie est une vraie preuve tangible de la créativité des hommes envers l’implacable rouleau-compresseur qui les normalise à son profit. Être un peu fou, c’est résister. Et je ne parle pas de la folie dépressive qui hante nos populations devant la précarité grandissante de notre planète. Je parle de la folie qui nous rend unique les uns aux regards des autres.

Moi je n’invente rien, je regarde les gens, je regarde les fleuves et les forêts, les océans, je ne fais rien d’autre que ce qu’ont fait tous les peintres de tous temps.

J’ai écrit dans ma chronique que l’album parle d’écologie, de paternité, de tolérance et d’amour. J’aurai dû ajouter « dans un monde de brutes » parce que l’univers que tu dépeins fait assez peur tout de même.

Ludovic Debeurme. Mais notre monde tel que nous le fabriquons, ou plutôt tel que nous le démembrons aujourd’hui fait peur ! Il ressemble de plus en plus à un moribond aveugle qui ne verrait pas ses propres blessures. Demandez à des adolescents ce qu’ils pensent de leur avenir. Si certains sont encore protégés en apparence par un puissant dénis, la plupart portent des mots très clairs et directs sur l’inquiétude lié au futur, même immédiat. Pour qui sait entendre, les mots sont là. Et ils dépassent largement l’inquiétude liée au monde du travail. L’inquiétude est globale. Il souffle un vent d’apocalypse. Seuls quelques fous pensent qu’ils vont s’en tirer à coup de solutions court-termistes.

Moi je n’invente rien, je regarde les gens, je regarde les fleuves et les forêts, les océans, je ne fais rien d’autre que ce qu’ont fait tous les peintres de tous temps.

Et je vois qu’il est grand temps d’imaginer autre chose. Plein de gens proposent depuis un bon moment déjà des solutions très concrètes et sensées pour tenter d’inverser le cours des choses sur le long terme. Moi, en tant qu’artiste je peux montrer ce que je vois, mais aussi et surtout tenter de remettre du singulier et de l’imaginaire dans le social. Car nous avons besoin de cette créativité pour nous réinventer et sortir du carcan soyeux dans lequel on nous a bercé jusqu’ici.

On évoque souvent  Burns ou Clowes parmi tes influences. Moi je voudrais savoir quelle a été ta première lecture marquante, celle qui a peut-être changé le cours de ta vie ?

Ludovic Debeurme. Mes premières lectures d’enfant, c’est à la fois Spirou, Tintin, Pif, Astérix et Obélix, mais aussi les pieds Nickelés, Reiser, Gébé et son surréalisme engagé qui me fascinait tant. À l’adolescence, vers 15 ans, je découvre Will Eisner qui joue avec les genres BD, illustration, roman, documentaire. Jean-Claude Forest, qui me dit à travers ses livres que l’improvisation à sa place dans la BD.  Moebius et son major Fatal qui vont aussi dans ce sens. Je me mets à faire alors des pages sans bords de cases, improvisées. Pas si loin finalement de choses que j’ai publiées 15 ans plus tard.

Et puis je découvre Crumb, c’est mon dieu alors. Un ami avec qui je dessine passe des vacances tous les étés chez lui. Il nous rapporte des dessins de Crumb, ça nous rend dingue. Et puis à la même époque je découvre aussi le trait épais et à la fois rigide et souple de Burns. Cette façon de jouer avec les canons publicitaires américains pour les pervertir me fascine. Cette ligne épaisse qu’on retrouve dans certains Comics, ou bien chez Chris Ware, ce monolithisme pose un monde dans le marbre.

Mais je me sens pour tout dire bien plus influencé par des artistes comme Otto Dix, les frères Chapman, la peinture flamande et son rapport si libre au corps. Ce sens du grotesque, du trivial. Que l’on retrouve chez Crumb d’ailleurs, parle à mes origines belges peut-être ! Voilà pour citer quelques noms dans le domaine de l’image dessinée et peinte. Mais il faudrait parler de littérature, de cinéma, de philosophie, d’économie, de psychanalyse. Et bien-sûr de musique. Je ne me sens pas plus influencé que ça par les arts graphiques. C’est une partie d’un tout.

Illustration de presse, vidéo, peinture… Tu as toujours baigné dans l’art d’une manière générale. Qu’est-ce qui t’a finalement amené à la bande dessinée ? Pourquoi ce médium plutôt qu’un autre ?

Ludovic Debeurme. Et bien en réalité je n’ai jamais réellement choisi là BD plus que le reste. J’ai été longtemps illustrateur et je le suis encore parfois. Je peins. Je crée des installations. Je joue de la musique. J’écris. Je fais tout ça presque en même temps. Mais il se trouve que le temps que nécessite l’élaboration d’un album de BD est considérable. Possible que je passe un peu plus de temps, de fait, à faire de la BD. Mais je n’en suis même pas sûr. J’ai besoin de jouer de la musique tous les jours. Ça prend du temps !

Mais je dois dire tout de même, que la BD réunit deux choses qui m’ont toujours été chères, et ce depuis ma plus lointaine enfance : inventer des histoires et dessiner. J’ai toujours eu besoin de ces deux mondes ; sans eux je ne survivrai pas. Avec la BD je peux les conjuguer dans le même lieu.

Comme tu le soulignes, tu es musicien par ailleurs. En quoi la musique peut-elle influencer ton travail graphique et inversement ?

Ludovic Debeurme. Il y a tellement de porosités. Le rythme par exemple. La BD c’est du rythme.

Mais au-delà des parallèles directs, je pense que c’est l’ouverture d’esprit que demandent l’un et l’autre en permanence ; la nécessité d’être là dans l’instant, intensément, qui est le lien le plus fort. Cette exigence nourrit les deux pratiques en continu. Avancer dans l’une, c’est avancer dans l’autre.

Quels sont en BD et en Musique les albums qui t’ont récemment enthousiasmé ?

Ludovic Debeurme. Ha, c’est dur comme question ! Je vois des choses belles, j’en entends. Mais enthousiasmé … Ça fait un moment que je ne l’ai pas été réellement.

En ce moment ce qui m’enthousiasme ce sont des gens comme Gilles Bœuf. Ils disent notre monde. Il n’est ni catastrophiste ni donneur de leçon, mais il nous donne le pouls de notre planète. Il faut l’écouter. On a besoin d’écouter des gens comme lui. C’est vital.

L’avenir proche de Ludovic Debeurme, c’est quoi ?

Ludovic Debeurme. Le deuxième tome d’Epiphania ! Je fais tout pour qu’il sorte début 2018.

Merci Ludovic. Propos recueillis par Eric Guillaud le 27 septembre 2017. 

La chronique de l’album ici

Certains mettent des images en musique, eux font le contraire. Le Nantais Brüno et son complice Hervé Bourhis viennent d’illustrer leur passion pour les musiques noires américaines. Un album complètement funk à nous faire ressortir la platine et les microsillons du placard. 

D’où te vient cette passion pour la musique noire américaine ?

Brüno. C’est venu petit à petit, au fil de rencontres, d’échanges de disques avec des copains, de temps passé dans les médiathèques… je suis passé par la new wave, l’indus, le rock psyché, le prog… je suis arrivé au jazz par le free, puis sont venus la soul et le funk. Et depuis je n’écoute quasiment plus que du jazz et de la soul.

Est-ce qu’elle a eu une influence sur ton dessin ?

Brüno. Je ne pense pas, mais elle m’accompagne lorsque je travaille, est c’est déjà un luxe fantastique que de pouvoir écouter de la musique en bossant.

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La chronique de l’album ici

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Comment vous êtes-vous connectés toi et Hervé autour de cet album?

Brüno. Nous nous connaissons depuis un certain temps, et lors de nos échanges sur la musique, partageant la meme passion pour la pop noire US, on s’est dit que ce serait chouette de faire un livre sur le sujet. Avec le « Petit Livre Rock » (suivi par le Petit Livre Beatles, et ceux sur la 5eme république et la BD), Hervé avait déjà inauguré une formule narrative qui fonctionne parfaitement, à mi-chemin de la BD et du texte illustré. Notre livre s’inscrit dans cette veine.

Comment avez-vous procédé pour son élaboration ?

Brüno. Pour le contenu, nous avons mis le jazz de côté, estimant que le sujet mériterait un livre à part entière. La répartition des dessins : à moi les BD et les pochettes d’albums principales, à Hervé tout le reste !!! On s’est souvent concerté sur le contenu, sur le choix des disques, des artistes etc. L’éditorial et la mise en page ont été réalisé par Hervé. D’autre part, heureusement qu’Hervé (qui est plus éclectique que moi) était là pour défricher le hip hop, par exemple. Mais le plus important, est que ce livre nous a aussi permis de découvrir et d’écouter plein de choses que nous ne connaissions pas ou peu !

Si tu devais retenir de toutes ces pages un artiste, un album, une chanson…

Brüno. what’s Going On, de Marvin Gaye, un superbe album et surtout le premier vinyle que j’ai acheté.  Et la même année, 1971, dans un genre plus obscur, Black Ivory de Wanda Robinson, de la poésie black adolescente tristounet sur fond de jazz groggy.

Merci Bruno.

La Chronique de l’album est à découvrir ici

Nicolas Otero s’est déjà fait remarqué il y a déjà quelques années en signant le dessin de la série Amerikkka puis plus récemment en adaptant le livre d’Heloïse Guay de Bellissen, Le roman de Boddah. Il revient aujourd’hui avec Confession d’un enragé qui mélange récit autobiographique, initiatique et fantastique. Il nous explique ses choix, nous parle aussi un peu de sa vie, de lui, des chats…

On le sent dans la précision du récit et notamment dans le détail des diagnostics médicaux, votre récit est en partie autobiographique. Jusqu’où ?

Nicolas Otero. Il est autobiographique dans la mesure où cet enfant de quatre ans qui se fait attaquer par un chat qui se révèle enragé, c’est moi. Il est autobiographique puisque les cauchemars récurrents qui ont suivi pendant le traitement antirabique et où un affreux matou enragé et écorché entraîne Liam au plus profond de son lit, je les ai faits toutes les nuits. Enfin, il est autobiographique puisque beaucoup des épreuves que traverse Liam tout au long de l’album sont inspirées plus ou moins directement de moments de mon existence.

Pourquoi avoir choisi finalement un angle fantastique ?

Nicolas Otero. Parce que justement je ne voulais pas d’une pure autobiographie, c’est bon pour les gens morts ou très vieux et j’ai encore beaucoup de choses à vivre et à raconter!! La mort, je l’ai frôlée de très près au Maroc, j’avais donc envie de raconter surtout une histoire de vie, un parcours initiatique ou comment trouver sa place quand on est différent.

En quoi pensez-vous que ce drame très jeune a changé votre vie ?

Nicolas Otero. Ce n’est pas courant de se faire attaquer par un animal enragé, enfin il me semble! J’ai mis du temps à en parler, et à chaque fois que j’évoquais le sujet, on me renvoyait un sempiternel : Ha, d’accord, je comprends mieux alors… Pourtant, je n’avais pas l’impression d’avoir un comportement particulier, violent ou colérique. Mais c’est pourtant l’image et l’attitude que je transmettais, quasi contre mon gré, ou à l’insu de… J’en ai forcément joué parfois, mais j’ai dû faire très tôt un travail sur moi-même, pour m’intégrer au mieux.

C’est votre premier album en qualité à la fois de scénariste et de dessinateur. Le dépucelage comme vous dites sur votre compte Facebook s’est bien passé ?

Nicolas Otero. Il s’est très bien passé, je portais cette histoire depuis toujours finalement. Et le fait d’avoir travaillé seul pour le bouquin sur Kurt Cobain m’a donné confiance en mes capacités narratives et le fait de pouvoir faire passer des émotions, des sensations. J’ai tout écrit d’une traite en moins de dix jours, de façon quasi compulsive, en prenant un pied d’enfer!! Et le dessin a été aussi source d’intense plaisir, je m’étais tellement approprié le parcours de ce petit bonhomme… Donc pour un dépucelage, oui, ce fut juste génial!!

Quel rapport entretenez-vous aujourd’hui avec les chats ?

Nicolas Otero. Pendant longtemps, je ne pouvais croiser un matou sans changer de trottoir, je dois reconnaître que les félins étaient loin d’être mes amis, je terrorisais assez vite, c’était phobique, vraiment plus fort que moi. Et puis, il y’a quatre ans, mon chien est mort et les enfants ont eu énormément de chagrin, tout comme moi, et une cousine venait d’avoir une portée de petits chatons, vous imaginez la suite…
J’ai craqué et depuis un félin noir aux yeux jaunes vient régulièrement poser ses coussinets à côté des pages en cours.

Merci Nicolas

Interview réalisée le 16 septembre 2016 – Eric Guillaud

La chronique de l’album ici